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28/8/10

Brian Sokol - Documentalismo en Nepal

Nueva Delhi, India el fotoperiodista basado Brian Sokol, nacido en 1975, ha estado documentando la vida en Asia durante más de una década. Un altavoz fluido Nepalés, él ha cubierto una gama diversa de historias, del conflicto armado en el Himalaya a la economía de migración global.

 Clientes recientes incluyen New York Times, UNICEF, Severa, Der Spiegel, l'Espresso, The Guardian, MSNBC, AFP, Bloomberg, Fuera, Getty Imágenes, y Viajes y Ocio. Su trabajo también ha sido publicado en GEO, Le Monde, Courrier Internacional, el Washington Post, la Aventura Nacional Geográfica, y el libro de la Sociedad Nacional Geográfica "Himalaya".

Ha recibido premios a partir de Dayli Japón y revistas Smithsonian y su fotografía han sido expuestos en los EE.UU., Japón, Corea y Nepal. La Revista Nacional Geográfica le concedió El Eddie Adams Grant 2007. Premio anual al mejor fotografo jóven que los recibio en su 3 primeros años de experiencia profesional.


http://briansokol.com/

26/8/10

La Sombra del Iceberg - Documental

Les dejo un documental sobre la fotografia mas emblematicas del fotoperiodismo, una investigacion sobre el cuestionamiento de esta fotogafia.
Cuenta la versión autorizada que Robert Capa tomó la foto el 5 de septiembre de 1936, a las 17 horas, en la loma de las Malagueñas, en Cerro Muriano, una pequeña localidad a 12 kilómetros al norte de Córdoba. Capa y su pareja, la también fotógrafa Gerda Taro, a la que también se atribuyen algunas de las imágenes aparecidas ahora en México, preparaban en España un reportaje sobre la Guerra para la revista francesa 'Vu'.

Fue en Córdoba, supuestamente, donde Capa logró captar la foto durante un ataque sorpresa de las tropas nacionales contra los republicanos. Dicen que se protegió de los tiros, sacó la cámara por encima de su cabeza casi sin tiempo para enfocar y clic: captó la más célebre fotografía del reporterismo bélico.

La historia es épica, sobre todo si fuera cierta. 'La sombra del iceberg' empieza por cuestionar la hora a la que 'murió' el miliciano. A través de un estudio astrofísico -"el más riguroso que se ha hecho dada la escasa definición de la fotografía", aseguran los realizadores- creen demostrar que la foto no fue tomada a las cinco de la tarde, como se dijo, sino a las nueve de la mañana, cuando no había batalla alguna en la zona.

El documental también rechaza la muy extendida teoría de que el protagonista de la instantánea, anónimo durante décadas, es Federico Borrell García, apodado 'Tanio', un miliciano de Alcoy. Doménech y Riebenbauer han recurrido a un estudio anatómico forense para concluir que nada tienen que ver uno con el otro e incluso para dudar de la muerte del personaje. "El miliciano sólo podría caer como cae en la foto si le hubieran disparado con un arma de gran calibre, equivalente a una Magnum. Si hubiera sido así, se vería el impacto frontal", concluye Fernando Verdú, jefe del Departamento de Medicina Legal y Forense de la Universidad de Valencia.

Puestos a cuestionar la imagen, 'La sombra del iceberg' demuestra que Gerda Taro también pudo ser la autora de la fotografía, ya que el matrimonio intercambiaba sus cámaras y enviaba sus fotos bajo la firma comercial de 'Robert Capa ' o 'Photo: Capa'.

Por último, los dos investigadores han contactado con Richard Whelan, biógrafo oficial del fotógrafo, quien reconoce en el documental, poco antes de morir, que Cornell Capa, hermano de Robert, posee algunos de los negativos de la serie original de 'El miliciano'. Si es cierto, quedaría descartado que hubiese algún rastro de la foto en México y sólo el viejo Cornell tendría la respuesta al enigma Capa, la verdadera autopsia al miliciano.


Argumento:
El mítico fotorreportero Robert Capa, tomo la instantánea "El miliciano muerto" en los Comienzos de la Guerra Civil española. La imagen se convirtio en uno de los Iconos del siglo XX y en un símbolo de la tragedia bélica. Según la versión oficial, esta fotografía capto por primera vez en la historia el preciso instante de la muerte en plena batalla ...
Fuente texto y más información: Plus.es


Ficha técnica:

Título original: La sombra del iceberg
Nacionalidad: España
Género: Historia / Biografía
Director: H. Doménech y Raúl Riebenbauer
Duración: 1h, 14m
Año: 2007

Calificación : Todos los públicos
Aca Les Dejo el Link Para Bajar el Documental:  http://www.megaupload.com/?d=0O6JEUVN


Fuente: http://documentalesatonline.blogspot.com/2009/10/la-sombra-del-iceberg2007-hdomenech-y.html

 

22/8/10

Antecedentes, historia y evolucion del Fotoperiodismo

Antecedentes del fotoperiodismo:
Podemos encontrar estos antecedentes en la fotografía de Norte America, Inglaterra, Francia... Estas primeras imágenes no tienen demasiado atractivo, pero que son importantes por su voluntad informativa. A pesar de todo fallan porque no fueron reproducidas en prensa, algo imposible técnicamente en aquella época.
En 1855, ZENTON (un inglés) nos da una visión de la guerra de Crimea, desde un punto de vista muy caballeresco del ejercito de su país.
En 1862, durante la Guerra de Secesión americana Mathew BRADY da otro punto de vista de una guerra, mostrando sus consecuencias. Sus fotografías tenían una voluntad comercial, las vendía directamente a los consumidores y también a la prensa que aunque no podían publicarlas, las utilizaban de modelo para grabados.
Entre 1870 y 80 se conquista el movimiento fotográfico. Las mejoras en obturación y emulsión permiten capturar imágenes en fracciones de segundo. Una apuesta utiliza estas posibilidades técnicas para establecer si durante la carrera de un caballo hay un momento en que este se mantiene con las cuatro patas en aire.
A finales del s.XIX de difunde diferentes usos para la fotografía: la de viajes, la de ciencia, incluso la pornográfica.
A principios del s.XX aparece el documentalismo de la mano de los periodistas escritos. Jacob RIIS la utiliza para retratar un gettho y completar así su reportaje, que finalmente publicó en su libro “Como vive la otra mitad”.
También Lewis HINE, un sociólogo, la utiliza para retratar la explotación infantil. Su reportaje sobre las minas de carbón de Pennsylvania crea una gran polémica en su época. Se le puede considerar el padre del fotoperiodismo, que queda aislado con la aparición de la prensa gráfica.

Secesionismo fotográfico
En los años 10/20 aparece este movimiento en Estados Unidos, que consiste en la ruptura de la fotografía con los valores pictóricos tradicionales. La fotografía empieza a retratar lo que la pintura no cubre o no cubre como debería. El grupo que inicia este movimiento se denomina F64 por el tipo de óptica que utilizan.
Es en estos años cuando se da el avance técnico más importante de la fotografía. Se llega a un perfeccionamiento técnico que ha permanecido casi invariable hasta nuestros días.
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La Vanguardia artística
Alrededor de los 20 se cierra el debate de si la fotografía es arte o no, y la fotografía se introduce en la base de los nuevos movimientos vanguardistas. Paralelamente a la extensión de este movimiento en Estados Unidos, llega a Europa la influencia del secesionismo fotográfico, que coincide con el nacimiento del fotoperiodismo tal y como lo conocemos hoy. 

La aparición del fotoperiodismo moderno
Durante la República de Weimar, coincidiendo con el breve periodo de libertad entre guerras, se da una grave crisis económica que coincide con el desarrollo técnico más importante de la fotografía. Tanto fotográficamente (emulsiones) como en impresión mejora de rotativas).
Empieza a aparecer la figura del fotoperiodista en los medios, los pioneros provenían de las clases altas empobrecidas y eso les daba una gran respetabilidad. Eric SALOMON es el más representativo de estos fotógrafos, un judío de izquierdas que hace una fotografía comprometida que le llevará al exilio con la parición del nazismo. La cámara que utiliza ya no necesita un poco manejable flash de fósforo y puede captar imágenes discretamente. A este nuevo tipo de fotografía se la llama cándida.
Es durante este periodo que aparecen los modelos de cámaras míticos. La más conocida es la LEIKA que nace como test de pruebas para cine y utiliza su misma película de 35 mm. Es una cámara rápida, silenciosa, manejable lo que la hace muy práctica y sutil, y la acaba convirtiendo en la cámara preferida de los fotógrafos.
Durante este periodo la prensa gráfica alemana se consolida como una prensa de referencia para el resto del mundo, en parte gracias a los grandes artistas surrealistas que aplican sus ideas en las publicaciones. Los colashes dadaístas son un claro referente del desarrollo vertiginoso del foto - montaje político (no exento de un cierto aire propagandístico). Destaca su uso en publicaciones como ‘A12’, detrás de la cual encontramos a George GEARSFEALD e padre del foto-montaje. Esos grandes creadores se exiliarán a USA durante la 2 Guerra Mundial, el más representativo es EISENSTEIN que creará en el exilio la revista ‘LIFE’.

Cuando llega el nazismo, la represión apaga el fotoperiodismo alemán que en estos momentos ya es un ejemplo seguido por Francia y el resto de Europa.
Paralelamente en Estados Unidos tras el crack del 29, Rossevelt utiliza la fotografía para fomentar su New Deal. Crea uno de los mayores proyectos fotográficos para documentar su plan de ayuda. Es en el 36 cuando ha aparecido ‘LIFE’ y de entre todos los que trabajan para ella, destaca la fotógrafa Margaret BURGUARE.
También destaca en este periodo de tiempo Russell WEE un fotógrafo de sucesos famoso por adelantarse a la policía.
En Alemania el nazismo también empieza a utilizar a la prensa gráfica y a utilizar elementos como la infografía. Abusa de mapas y señalizaciones en sus publicaciones para ocultar la realidad y dar a conocer la información en pos del poder político. Las batallas ilustradas como mapas de territorios tienen una forma aséptica que no despierta la ira del pueblo.
En general podemos decir que los años 20 y 30 son los del gran desarrollo de la prensa gráfica.

Consolidación del fotoperiodismo
Se considera a la Segunda Guerra Mundial como una etapa de consolidación de la imagen en la cultura de masas. Se intenta poner el ojo de la cámara en todo lugar donde haya una noticia.
Robert CAPA que se diera a conocer en la Guerra Civil Española, se consagra como fotógrafo durante el desembarco de Normandía. Aunque durante esta guerra también destacan las fotografías de los campos de concentración, en especial los trabajos de Margaret BOURGUARE.
Eugene SMITH dio una mirada artística de la realidad, y es importante por crear una de las teorías sobre la ética en el periodismo: “No se puede ser objetivo, pero sí honesto”.

Grafismo y fotografía publicitaria
Durante los años 30 en la publicidad también se aplican los principios del surrealismo y de los nuevos valores de imagen. Incluso en las revistas de moda se hacia una apuesta visual mucho más arriesgada que la de hoy en día.

La fotografía de realidad
Durante los años 30 y 40 hay un autor muy representativo en este campo Eugene CARTIER-BRESSON. Uno de los cuatro o cinco fotógrafos más reconocidos hoy en día. Su importancia radica en su creación como fotógrafo, pero también en ser uno de los fundadores de la prestigiosa agencia MAGNUM y un gran escritor de fotografía. Es el autor de la teoría del “instante decisivo”: cada situación tiene un momento de máxima expresividad, y un fotógrafo debe estar alerta frente a la realidad para captar este momento sin dejarse ver. Este ‘instante’ no tiene solo que ver con expresiones faciales, sino también con el movimiento y las líneas de fuerza.
La agencia MAGNUM se fundó después de la 2ª GM por CARTIER-BRESSON y por Robert CAPA, dos autores que se llevaban bastante mal pero que decidieron crear juntos una cooperativa de fotógrafos para combatir el trato que recibían de los editores. Es base a su sistema de organización aparecieron muchas otras agencias que imitaban su éxito: Sigma, Gamma... MAGNUM ha durado hasta hoy como un modelo a imitar, y hoy en dia todos los grandes fotógrafos han pasado por ella.
En los 60 todavía la puesta en página es bastante arriesgada en revistas como ‘Paris Match’, ‘LIFE’, ‘Look’.. Pero a partir de entonces hasta la actualidad se ha retrocedido mucho.
En Vietnam los medios se comportaron de forma muy distinta a la 2GM. El gobierno USA sufrió en su propia carne la libertad que dio a sus fotógrafos en la zona de combate y tras la derrota este conflicto se convirtió en un punto de inflexión en el fotoperiodismo. Se terminó con la presencia libre de cámaras en los conflictos, y la muestra más palpable es la Guerra del Golfo.
James NAXWY, fotógrafo de conflictos, es el heredero de CAPA y su punto de vista es fotografiar las consecuencias de la guerra en los civiles: las víctimas indirectas de la guerra.

http://www.lacoctelera.com/

19/8/10

Henri Cartier-Bresson

A cien años del nacimiento de uno de los más grandes fotógrafos de todos los tiempos

Henri Cartier-Bresson, el padre del fotoperiodismo, nacía un día como hoy hace exactamente 100 años, en las afueras de París.
Qué mejor que recordarlo con una serie de sus mejores imágenes y una pequeña reseña de las grandes cosas que dejó al fantástico mundo de la fotografía a través de su trabajo y su obra.
Acaso, ¿te has preguntado alguna vez, qué sería de este mundo y, especialmente, de este arte si no hubieran existido hombres como Cartier-Bresson?

Un hombre de una profunda formación artística, que supo experimentar en todo lo que emprendía con las más vastas herramientas que sus estudios y la vida le habían entregado.


Su primera pasión fue la pintura, la que fue abandonada prematuramente para incursionar en la fotografía. Acostumbrado a codearse con los intelectuales de la época, amigo de los surrealistas parisinos y un eterno aventurero; decide recorrer las calles en busca de lo que él mismo llamó “el instante decisivo”, ese momento mágico en que una escena alcanza su clímax.

Desde sus jóvenes 23 años, y con una cámara Krauss de segunda mano, buscaba imágenes a hurtadillas en Costa de Marfil. Un año más tarde, publicaría esas fotografías y comenzaría su extensa carrera de la mano de su nueva cámara Leica, a la que su nombre quedaría ligado para siempre.

Fue fundador de la Agencia Magnum y se dedicó a la fotografía humanitaria por cuánto sitio del mundo pudo recorrer.
En 1970 abandona la fotografía para dedicarse al dibujo hasta su muerte en el año 2003.

Su intensa vida nos ha dejado un legado de imágenes incomparables, entre las que se pueden encontrar retratos de personalidades tales como Pablo Picasso, Ezra Pound, Henri Matisse, Marie Curie, Edith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara.

No en vano fue llamado “el ojo del siglo”, ya que pocos como él nos han mostrado el mundo con tanta maestría y talento.

Henri Cartier-Bresson, una inspiración para los fotógrafos de todos los tiempos.

16/8/10

Semana del Fotoperiodismo

En esta ocacion voy a realizar una serie de 7 post dedicados al fotoperiodismo, siendo una disciplina de la fotografia tan caracteristica como atractiva.

Para comenzar les dejo la informacion de la Cuarta Bienal de Fotografia Documental que se realizará en San Miguel de Tucumán - Argentina desde el 13 de octubre al 14 noviembre.

El festival que paso a ser el evento más importante en este rubro de la Argentina, en esta edición consta con la presencia de fotografos como Daniel, Barraco (Mendoza), Dani Yako (Buenos Aires), Juan Travnik, (Buenos Aires), Francisco Matta Rosas (México), Pedro Valtierra (México), Gato Villegas (Ecuador), Rafael Lacau (Venezuela) y Kaloian Cabrera (Cuba).

Tambien se realizan diversas convocatorias para participar del festival.

Pueden encontrar toda la información es la web del festival. o en su facebook.

12/8/10

Entrevista a German Saez

Les dejo una entrevista que le hice a  German Saez. De quién ya realicé un post que lo pueden ver aquí.
Fotógrafo y diseñador de imagen y sonido. Nació en Argentina en Abril de 1973. Diseñó diversos sitios webs de músicos, artistas y programas televisivos.
Está a cargo del sitio oficial de Gustavo Cerati, además de realizar fotografías, vídeos documentales, clips de grabaciones y giras.
Estuvo a cargo de la documentacion de la gira "Me verás volver" de Soda Stereo. 
Desde el 2003 trabaja de forma independiente en su propio estudio. Además de haber realizado diversas charlas y exposiciones. 
Recientemente editó su primera revista llamada Shelter Mag. 

¿Hace cuanto que tomás fotografías? 
    Desde los 20 años, cuando tuve mi primer cámara réflex, antes siempre quise una pero estaba fuera de mi alcance. Fue un hobby mucho tiempo, una actividad secundaria a la de diseñador, que es por la que se me conoció un buen tiempo, pero luego de estar postergada unos años, ganó terreno y el rol de diseñador hoy está casi relegado por completo. 

    ¿Cuál fue tu primer cámara y qué cosas fotografiabas? 
      Una Canon EF-M. Una de las réflex más baratas, una cosa rara que sacó Canon en su momento, que ya llevaba lentes EF, pero no tenía la tecnología de autofocus de las EOS, por lo que uno debía comprar lentes caros, pero no podía aprovechar sus posibilidades de autoenfoque. De todos modos la usé 15 años hasta que compré mi primera reflex digital (una Canon EOS 10D en 2005) y hoy cada tanto la sigo usando. Al principio sólo fotografiaba escenas urbanas, paisajes... Era muchísimo más tímido que ahora por lo que proponerle a alguien que posara y mucho menos aún, tener la seguridad y autoridad necesaria para guiar y dirigir una sesión era algo que estaba completamente fuera de mi horizonte. 

      ¿Cómo es que llegó a ser la fotografía tu profesión? 
        Cuando ví que lo hacía comenzaba a tener muy buena aceptación, cuando noté que me divertía y satisfacía más que el proceso de hacer sitios y hasta incluso me terminó resultando mucho más rentable

         ¿Cómo te sentís con la publicación de ShelterMag?. ¿Qué repercusiones tuviste?. 
          Muy bien. Hace rato que tenía ganas de hacer una revista y al fin me dí el gusto. Las repercusiones fueron excelentes, el primer número se vendió muy rápido y bien. Estoy preparando el segundo. No sé la periodicidad que tendrá en el futuro (trimestral, cuatrimestral, semestral) ni si cada número tendrá su correspondiente versión impresa en papel (por este año, seguro que sí), pero es algo que planeo hacer durante bastante tiempo. 

          Las mujeres que fotografías ¿Las seleccionas por alguna idea de foto que tenés o es algo más espontáneo? 
            Para las sesiones que no son books, es decir, las que me aportan algo a mí y a mi portfolio, en general elijo entre las fotos y solicitudes que llegan vía el formulario de casting que tengo en el sitio. Otras, si veo alguien que me resulta interesante, propongo yo. Pero no tengo un ideal de belleza. Uno de los pocos puntos en los que suelo ser inflexible, es el pelo largo. La sensualidad y femineidad del pelo largo es incomparable, aunque claro, hay excepciones.  

            ¿Cuál de tus fotografías te gusta más o crees que transmiten todo lo que sentías en el momento de tomarla? 
              Tengo muchísimas que me gustan. Una de mis favoritas es esta
                
              que técnicamente es un desastre. Fue tomada con una compacta de 1,3Mpx en 2002 una madrugada luego de conocer a alguien en mi primer departamento. Técnicamente tengo fotos muy superiores y muchas otras que son importantes profesional y afectivamente, pero esa tiene un valor especial. 

              Alguna sugerencia, recomendación o idea para los que buscan vivir de la fotografía y los que recién comienza 

              Mirar mucho arte, diseño, leer muchísimo acerca de composición, teoría y armonía de color, Gestalt y equivocarse muchísimo. Es irremediable que al mirar lo que hicimos unos años atrás veamos algunas atrocidades que hemos hecho, pero es necesario hacerlas, significa que vamos aprendiendo y así seguirá siendo hasta el último día. La parálisis del querer hacer sólo cosas grandiosas, sino no hacer nada o la soberbia de pensar que no se puede aprender más nada sólo genera frustración. Se puede ser escéptico o negativo a nivel general. La vida, la falta de cultura que nos rodea, la humanidad misma. Pero las relaciones, acciones y proyectos personales no tienen otro camino que el entusiasmo, el vivir intentando y el hacer constante. También está bueno alejarse de los ghettos. Yo no me considero solamente fotógrafo por ejemplo. Meterse en ghettos (de diseñadores, fotógrafos, etc) no es bueno. Hay que rodearse y ver a gente que sea talentosa en su oficio/arte/profesión y abrirse, ser humildes y aprender de ellos. En los ghettos no suele haber otra cosa que falsos aduladores, envidiosos resentidos que si pueden intentan serrucharte el piso mientras ven cómo pueden copiar tu estilo y también aburridos puristas y teóricos que en su mayoría no pueden sostener con su "obra" lo que predican con sus palabras.


              Muchas Gracias German.

              10/8/10

              10 Rasgos que debes tener para ser un buen fotógrafo

               Scott Bourne escribió en su blog una lista de rasgos que un buen fotógrafo debe poseer, no será la lista definitiva, pero creo que cada característica en esta lista es 100% acertada.
              Revisa la lista y piensa si tienes esta cualidad o la estás cultivando, si encuentras alguna que no está incluida agrégala en los comentarios.
              Colibrí en vuelo, una foto que esperé por 4 años

              1. Pasión.
              Tienes que estar obsesionado en conseguir la foto. No cualquier foto sino La Foto. En otras palabras, es necesario pensar, soñar, hablar y vivir la fotografía.
              2. Estar dedicado al arte de la fotografía.
              Esto no significa que necesitas ser un experto. Esto significa que debes dedicarte a convertirte en un experto. No importa cuánto tiempo te lleve.
              3. Ser un cuenta cuentos.
              Narrar historias es el corazón de la buena fotografía, en consecuencia, un buenos fotógrafo tiene que ser capaz de contar historias con su cámara.
              4. Preocuparte por tu tema.
              Necesitas ser un experto en la materia, ya sea de aves o de personas o vehículos o cascadas, lo que sea!. Los buenos fotógrafos aprenden todo lo que hay que saber sobre sus temas antes que coger una cámara. Procura siempre hacer esa foto como si fuera la única forma en que el sujeto será recordado.
              5. Tener paciencia… y mucha!.
              Tienes que estar dispuesto a practicar y estudiar a menudo. Tienes que estar dispuesto a buscar o esperar la luz. Tienes que ser capaz de sentarte en un escondite a esperar a ese pájaro que vendrá o sentarte en la esquina esperando la escena que sabes que ocurrirá. Y necesitas estar dispuestos a invertir horas, no minutos en esos propósitos.
              6.Tener sentido de asombro e imaginación.
              Necesitas tener curiosidad acerca de todo lo que fotografías y luego tienes que ser capaz de jugar con esa curiosidad para ver en qué lo puedes transformar.
              7. Disposición de compartir.
              Tienes que estar dispuesto a transmitir lo que aprendas con gusto a los demás. Tienes que mostrar tus fotos a todo el mundo. Debes proteger y preservar para los demás todos tus recuerdos fotográficos importantes.
              8. Ánimos de Reclutar
              Tienes que ser el tipo de fotógrafo que hace que otra gente quiera convertirse en fotógrafo.
              9. Intentar un poco más que cualquier otro.
              Los buenos fotógrafos esperan otros 15 minutos para el color perfecto en esa puesta de sol. Estudian su manual en la noche, incluso cuando están cansados. Gastan el dinero que no tienen en asistir a talleres y comprar libros de fotografía. Ellos van un paso más allá… y luego lo vuelven a hacer.
              10. Desarrollar un estilo reconocible
              Debes crear tu estilo, incluso si ese estilo no es un estilo!
              ¡Qué lista. Al releerla parece que es difícil ser un buen fotógrafo. pero, Si no fuera difícil, todo el mundo sería un buen fotógrafo.

              http://www.elmerticas.com

              PD: Estoy totalmente de acuerdo con lo que plantea este señor, es mas que nada un estilo de vida que una profesion o un pasatiempos.

              8/8/10

              Elegir un Objetivo para Retratos: Elementos a Tener en Cuenta


              ¿Realmente necesito un objetivo para retratos?

              Si te has hecho alguna vez la pregunta, probablemente ya tienes la respuesta.
              Imagino la situación. Estás profundizando en la fotografía, en algún momento te has comprado una cámara reflex, y tu cámara cuenta con un objetivo de los llamados de kit, uno de esos objetivos que vienen con la cámara.
              No es que el objetivo sea malo, pero independientemente de que pueda cubrir tus necesidades a nivel de distancia focal, algo que no siempre es así, no es el objetivo más rápido del universo y puede que no te permita utilizar aperturas lo suficientemente grandes como para conseguir el efecto que deseas.


              ¿Qué focal es la más recomendable para retratos?

              Foto de tibchrisLa focal utilizada a la hora de hacer retratos nos va a influir de dos formas en el resultado obtenido.
              Por un lado, cada focal tiene una compresión de la perspectiva diferente. En este sentido, se suele recomendar el uso de focales en el rango que va de los 50mm hasta los 135mm, ya que es en este rango focal en el que la compresión de la perspectiva del rostro es más adecuada.
              Por otro lado, la focal utilizada va a determinar la distancia a la que nos tenemos que situar de la persona en función del tipo de plano que queramos sacar. En este sentido, suelo observar que la gente se muestra más tensa cuanto más cerca de ella se sitúa uno con su cámara pese a que trabajes bien la conexión con tu modelo a lo largo de la sesión.

              ¿Focal fija o variable para retratos?

              Los más puristas de la fotografía te recomendarán el uso de focales fijas sin dudarlo.
              Hay un hecho obvio, y es que las focales fijas suelen contar con construcciones más robustas y más simples por la ausencia de ciertos elementos mecánicos que se suelen traducir en fotografías con una calidad estupenda en lo que a parámetros técnicos se refiere. Además, la mayor simplicidad se traduce en un menor coste de fabricación y en una consecuente reducción del precio del producto.
              Pese a ello, hay muy buenos objetivos de focal variable cuyos resultados poco o nada tienen que envidiar a los de focal fija a la hora de hacer retratos, y cuentan con una ventaja fundamental a la hora de trabajar, y es la posibilidad de reencuadrar nuestro retrato sin necesidad de movernos del sitio, mientras que cuando trabajamos con focales fijas nos vemos obligados a movernos para conseguir el encuadre deseado.

              ¿Algún requisito de apertura?

              Foto de jistkSi has indagado en el maravilloso (y caro) mundo de los objetivos, a estas alturas sabrás ya lo que cuesta un buen objetivo. Y el precio suele estar relacionado con la mayor apertura que alcancen.
              La apertura en el retrato es fundamental por varios motivos.
              Por un lado, las aperturas grandes te van a permitir aislar los detalles del fondo para poder centrarte en el rostro, que al fin y al cabo es el centro de interés de tu fotografía.
              Por otro, esas aperturas llevadas al extremo te permitirían centrarte incluso en detalles concretos del rostro (como por ejemplo los ojos) según el tipo de plano que estés utilizando.
              Y por último, los objetivos con grandes aperturas se comportan mejor por regla general a la hora de enfocar, lo que te permitirá trabajar con más soltura y precisión en la sesión.

              ¿Qué pasa con el bokeh?

              El bokeh es un término cuyo significado es "desenfoque", y se utiliza en fotografía para referirse a la calidad de un objetivo por la estética de las zonas desenfocadas que produce en una foto.
              Y es que tan importante es la nitidez de las zonas enfocadas en una foto como el aspecto que presentan las zonas desenfocadas de la misma foto.
              En retratos en exteriores o cualquier situación en la que el fondo de la fotografía no esté perfectamente controlado juega un papel muy importante, por lo que debería ser un elemento adicional a tener en cuenta a la hora de elegir.

              Entonces, ¿qué objetivo para retratos me compro?

              Como te decía, se trata de una decisión muy personal en la que influyen diferentes factores y entre ellos el precio. En un próximo artículo trataremos de hacer un repaso de los objetivos para retratos más extendidos entre la comunidad fotográfica para las diferentes monturas reflex. ¡Permanece atento!
              Foto de RLHyde
               http://www.dzoom.org.es/

              6/8/10

              hakan photography - Fotografía expresionista.

              Nacido en Estambul, Turquía y actualmente divide su tiempo entre Miami, Estambul y Londres. Es graduado de la Universidad de Kentucky con una licenciatura, y también sostiene y grado de asociado del Instituto de Arte de Ft.. Lauderdale. Akif Hakan Celebi es un experimentador cuando se trata de nuevas técnicas fotográficas y estilos. Se las arregla para aplicar y mezclar las tendencias actuales en las artes visuales con su propia creatividad que está influida por muchos grandes películas sobre todo desde el Lejano Oriente. En la mayoría de sus obras, su objetivo es dar a los espectadores una historia y establecer un estado de ánimo atmosféricos dentro de las imágenes que crea. Él trae "expresionismo" en la fotografía con el uso de combinaciones de colores inusuales. Se acerca a la fotografía de moda con un borde, mezcla de bellas artes y los aspectos de la foto-periodística con el glamour, la sensualidad y belleza. Sus imágenes son muy cinematográfico y siempre tratando de ir más allá de los estilos establecidos y ampliar los límites de la expresión fotográfica. Su objetivo es obtener imágenes de gran alcance que dejan un impacto en el espectador. En el año 2006, ha sido galardonado por la revista Max en Alemania como uno de los fotógrafos de la nueva generación mejor el futuro, también fue finalista en 2006 Premio Internacional de color. Su obra está representada por la Galería Jacob Paulett en París, Francia como artista y por el agente de un fotógrafo Rpresenter en Estambul, Turquía para proyectos de fotografía comercial


              hakanphotography

              4/8/10

              Tips para el uso de perspectivas y profundidades.

              Si bien todos pensamos que en la fotografía está el fiel reflejo de lo que hay en el mundo que nos rodea y que el fotógrafo ha decidido plasmar, lo cierto es que el mundo es tridimensional en tanto que la fotografía  es bidimensional. Ahora bien, si nos preguntamos ¿cómo hacer para añadir lo que falta a la fotografía para encontrar en ella esta tercera dimensión? La respuesta es bastante sencilla: agregar perspectiva o profundidad a nuestras capturas.

              La forma de lograr esta profundidad es lo que suele complicarnos como fotógrafos, ya que se ponen en juego varios elementos de la composición, los que ubicados de la manera correcta y con el espacio entre ellos indicado nos crearán esta sensación de profundidad que justamente le falta a la fotografía bidimensional.
              Esta profundidad lograda por la ubicación de los elementos en la composición fotográfica actúa en nuestro cerebro al hacer que este tenga que discernir entre aquel que está más cerca y el que está más lejos; si logramos esto habremos añadido a la fotografía el sentido de perspectiva e inmediatamente se habrá creado la tercera dimensión.
              Pero, ¿qué tipo de perspectiva se puede utilizar para alcanzar esta sensación de profundidad?
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              1- Perspectiva por la lente
              Según la lente que escojamos para realizar nuestra fotografía lograremos una mayor o menor perspectiva, aunque en la realidad la perspectiva de esa escena sea una sola y no varíe, sí puede obtenerse una impresión de que lo hace y alcanzar mayor o menor profundidad de acuerdo a la elección de la lente a utilizar.

              2- Líneas y perspectiva

              Un viejo truco para engañar a nuestro cerebro es utilizar líneas paralelas ya que estas dan la sensación de alejamiento y profundidad; es tan sencillo como lo que ocurre con nuestro ojo al mirar una vía de tren, de frente, que se pierde en el horizonte; a medida que estas líneas que jamás se tocan se alejen de nosotros tendremos la sensación de que sí lo hacen. Este es el engaño que hace que nuestro cerebro nos informe que hay una distancia en la imagen, una profundidad. Para esto lo mejor es utilizar un objetivo gran angular.

              3- Disminución de la perspectiva

              Este efecto de disminución tiene una relación directa con la apariencia de los objetos en referencia al tamaño, esto es, si observamos una fila de postes o de árboles que desaparecen en la distancia, y si bien nuestro cerebro nos informa que deberían ser todos iguales en altura, lo cierto es que poco a poco iremos viendo que cada uno es más chico que el anterior. Utilizando esta escala podemos lograr un efecto muy eficaz para darle profundidad a nuestras fotografías.
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              4- Escala y comparación
              Esta relación se utiliza para darle un sentido a la escala entre dos objetos a retratar, para ello solo es necesario que uno de los elementos u objetos sea de un tamaño reconocible, como por ejemplo una persona. Al colocar este sujeto de tamaño reconocible junto a otro que podría tener un tamaño indefinido estaremos brindando a quién observe nuestra imagen los elementos de comparación necesarios para establecer la escala adecuada al tamaño del segundo objeto o sujeto.
              5- Expandir la perspectiva
              Otra forma igual de efectiva de lograr esta sensación de profundidad utilizando la perspectiva es usar una lente gran angular, con esta lente se extiende la perspectiva natural aumentando drásticamente si incluimos un objeto o sujeto, de tamaño reconocible, en primer plano. Al comparar este objeto o sujeto con el resto de los objetos a distancia el sentido de la escala es aún mayor, revelando distancias extremas y dando una excelente profundidad a la imagen.
              Al escoger cualquiera de estas formas de utilizar la perspectiva para dar un sentido de profundidad lograremos una composición más dinámica que revelará esa tercera dimensión de la que carecen la mayoría de las fotografías.

              fuentes

              2/8/10

              Gabriel Wickbold

              Gabriel Wickbold fotógrafo brasileño, autodidacta, adepto a las nuevas tecnologías y redes sociales poco a poco va ganando visibilidad y con sus 25 años ya esta tramitando muestras en New York, Londres y Milán.
              Cobro notoriedad con su producción de Sexual Colors, una combinación de arte, fotografía y sensualidad con una fuerza muy impresionante y gran atractivo.

              http://gabrielwickbold.carbonmade.com/