Les dejo una serie de video de la web Fstoppers, un blog dedicado a publicar videos de producciones fotograficas de profesionales de todo el mundo, desde backstage hasta tutoriales. Hay cosas realemente increibles.
Los fundadores Patrick Hall (www.patrickhallphotography.com) y Lee Morris (www.rlmorris.com) querían tener un sitio que no sólo podría presentar videos de alta calidad de los fotógrafos que trabajan, sino también crear una comunidad para los profesionales creativos para discutir su trabajo y el trabajo de otros.
http://fstoppers.com
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4/11/10
5 razones para usar el mínimo equipo fotográfico…
La bóveda fantástica. Leeds, Inglaterra, 2009 – Nikon D700, 14-24 f2,8, ISO 1600, f8, 1/320
¿Por qué deberíamos concentrarnos más en nuestra capacidad y menos en nuestro equipo? Cuando se es aficionado a la fotografía, tarde o temprano uno se ve atraído por el más potente de los cantos de sirena: la necesidad de comprar, renovar o ampliar nuestro equipo fotográfico. Es la típica situación en la que “él que esté libre de pecado, que tire la primera piedra”. Pero leyendo el artículo que publica Steve Berardi en PhotoNaturalist uno vuelve a reflexionar sobre cuanto de necesario es el nuevo equipo, tan atractivo siempre, para consolidarnos como un buen fotógrafo. El autor desgrana unos puntos sobre los que argumenta el título de partida:
1.- La visión es mucho más importante que el equipo:
¿No os ha pasado que alguien vea una foto nuestra y diga “vaya cámara que tienes”? Es frustrante hasta cierto punto que alguien vea una foto nuestra y se fije en la cámara, o piense sobre ella, antes que la verdadera habilidad tras una imagen bien realizada, que no es otra que la visión del fotógrafo capaz de hacer posible la foto. La cámara sólo estaba allí para permitirnos plasmar nuestra visión.
2.- Menos equipo significa menos peso en la espalda:
No sé cuál será vuestra experiencia, pero la mía es que cada año que pasa, menos peso es mejor. El problema de cargar con los fantásticos objetivos que las marcas nos venden como imprescindibles para conseguir esta o aquella imagen, es indudablemente que suelen ser los más pesados y los más caros. Sin embargo, otro mundo es posible: probad a salir con una cámara y un sólo objetivo. Es sorprendente lo poco que nos limita la mayor parte de las veces
3.- Un importante ahorro de dinero:
No me gusta entrar en este terreno, porque soy de la opinión de que cada uno es libre de gastar el dinero en aquello que le place. Dicho esto, es verdad que la fotografía, sobre todo la basada en las marcas principales y sus equipos reflex, son un pozo sin fondo a la hora de gastar.
4.- Nos obliga a sacarle todo el partido al equipo que ya tenemos:
Esto es clave: todo el equipo nuevo que compremos no suplirá ni una sola de las carencias que tengamos en los aspectos más básicos para fotografiar: visión, composición, comprensión del color… En realidad estos aspectos deben abordarse sin una cámara en la mano. Hay que hacer muchos deberes primero, para que cuando el equipo llegue a nuestras manos le sepamos sacar todo el partido, no sólo a nivel técnico.
Aprender a sacar todo el partido al equipo que tenemos es una asignatura pendiente en muchas ocasiones (y yo me incluyo entre los primeros). Pero mejorar nuestras ideas y creatividad, viendo muchas fotos y analizándolas, es prioritario.
5.- Menos equipo significa que hay espacio para otra cosas:
Si no llevamos tanto equipo fotográfico, ganamos espacio para otras cosas que lo mismo son interesantes llevar…
En fin unas reflexiones basadas en el sentido común más habitual, que conocemos y valoramos, pero sobre el que en ocasiones es conveniente insistir. Aunque sólo sea para que distingamos necesidad real de necesidad inducida por los efectivos equipos de marketing de las marcas ;-)
Link: photonaturalist
15/9/10
¿A cuanto equivalen los megapixeles?
Antes que nada, para comprender por que llegan a estas medidas y resoluciones paso a definir desde la base de que es un PIXEL:
Un píxel o pixel, plural píxeles (acrónimo del inglés picture element, "elemento de imagen") es la menor unidad homogénea en color que forma parte de una imagen digital, ya sea esta una fotografía, un fotograma de vídeo o un gráfico.
Ampliando lo suficiente una imagen digital (zoom), por ejemplo en la pantalla de una PC, pueden observarse los píxeles que componen la imagen. Los píxeles aparecen como pequeños cuadrados o rectángulos en color, en blanco o en negro, o en matices de gris. Las imágenes se forman como una matriz rectangular de píxeles, donde cada píxel forma un área relativamente pequeña respecto a la imagen total.
La mayor parte de los dispositivos que se usan con un ordenador (monitor, escáner,...) usan el modelo RGB.
Un píxel alcanza los 8 bits (28 colores), 24 bits (224 colores) o 48 bits (240 colores), este último valor de precisión sólo se obtiene con escáners o cámaras de gama alta (que usen formato raw o tiff, no en jpg).
Un megapíxel o megapixel (Mpx) equivale a 1 millón de píxeles (a diferencia de otras medidas usadas en la computación en donde se suele utilizar la base de 1024, en lugar de 1000, para los prefijos debido a su conveniencia con el uso del sistema binario. Usualmente se utiliza esta unidad para expresar la resolución de imagen de cámaras digitales; por ejemplo, una cámara que puede tomar fotografías con una resolución de 2048 × 1536 píxeles se dice que tiene 3,1 megapíxeles (2048 × 1536 = 3.145.728).
La cantidad de megapíxeles que tenga una cámara digital define el tamaño de las fotografías que puede tomar y el tamaño de las impresiones que se pueden realizar, pero hay que tener en cuenta que cada megapíxel está siendo distribuido en un área y, por tanto, la diferencia entre 7 y 8 megapíxeles es menos representativa que entre 3 y 4, ya que no es una medida exponencial, al igual que las “x” de una grabadora de discos compactos.
Las cámaras digitales usan una electrónica fotosensible, como CCDs (del inglés Charge-Coupled Device) o sensores CMOS, que graban niveles de brillo en una base por-píxel. En la mayoría de las cámaras digitales, el CCD está cubierto con un filtro coloreado, teniendo regiones color rojo, verde y azul (RGB) organizadas en mosaico según el filtro de Bayer, así que cada píxel-sensor puede grabar el brillo de un solo color primario. La cámara interpola la información de color de los píxeles vecinos, mediante un proceso llamado "de-mosaicing", para crear la imagen final.
En unos tiempos en los que las cámaras de un día para otro les crecen megapíxeles hasta en las orejas y que semanas después de comprar “la supercámara”, esta se convierte en una cámara normalilla, no esta de más saber que quieren decir esos megapíxeles que tanto nos están vendiendo a la hora de buscar una cámara y que en muchas ocasiones deberían tener menos importancia a la hora de escogerla.
El tamaño de impresión esta obtenido a una resolución de 200 dpi, lo que se considera una resolución más que suficiente para una impresión fotográfica, pero claro está, para la reproducción en off-set tendremos que restarle algo al tamaño, ya que la resolución para imprenta normalmente es de 300 dpi.
Por otro lado, no me gustaría desaprovechar la ocasión para recomendar a todo aquel que tenga que comprar una cámara fotográfica, que no base su compra tan solo en los megapíxeles, y que se fije muy mucho en el objetivo que lleva la máquina, el zoom óptico (no el digital) en el caso de una compacta y otras opciones como la posibilidad de utilizar los controles en manual, el macro de la máquina, etc.
Fuentes: ateneupopular.com - wikipedia.org
Un píxel o pixel, plural píxeles (acrónimo del inglés picture element, "elemento de imagen") es la menor unidad homogénea en color que forma parte de una imagen digital, ya sea esta una fotografía, un fotograma de vídeo o un gráfico.
Ampliando lo suficiente una imagen digital (zoom), por ejemplo en la pantalla de una PC, pueden observarse los píxeles que componen la imagen. Los píxeles aparecen como pequeños cuadrados o rectángulos en color, en blanco o en negro, o en matices de gris. Las imágenes se forman como una matriz rectangular de píxeles, donde cada píxel forma un área relativamente pequeña respecto a la imagen total.
La mayor parte de los dispositivos que se usan con un ordenador (monitor, escáner,...) usan el modelo RGB.
Un píxel alcanza los 8 bits (28 colores), 24 bits (224 colores) o 48 bits (240 colores), este último valor de precisión sólo se obtiene con escáners o cámaras de gama alta (que usen formato raw o tiff, no en jpg).
Un megapíxel o megapixel (Mpx) equivale a 1 millón de píxeles (a diferencia de otras medidas usadas en la computación en donde se suele utilizar la base de 1024, en lugar de 1000, para los prefijos debido a su conveniencia con el uso del sistema binario. Usualmente se utiliza esta unidad para expresar la resolución de imagen de cámaras digitales; por ejemplo, una cámara que puede tomar fotografías con una resolución de 2048 × 1536 píxeles se dice que tiene 3,1 megapíxeles (2048 × 1536 = 3.145.728).
La cantidad de megapíxeles que tenga una cámara digital define el tamaño de las fotografías que puede tomar y el tamaño de las impresiones que se pueden realizar, pero hay que tener en cuenta que cada megapíxel está siendo distribuido en un área y, por tanto, la diferencia entre 7 y 8 megapíxeles es menos representativa que entre 3 y 4, ya que no es una medida exponencial, al igual que las “x” de una grabadora de discos compactos.
Las cámaras digitales usan una electrónica fotosensible, como CCDs (del inglés Charge-Coupled Device) o sensores CMOS, que graban niveles de brillo en una base por-píxel. En la mayoría de las cámaras digitales, el CCD está cubierto con un filtro coloreado, teniendo regiones color rojo, verde y azul (RGB) organizadas en mosaico según el filtro de Bayer, así que cada píxel-sensor puede grabar el brillo de un solo color primario. La cámara interpola la información de color de los píxeles vecinos, mediante un proceso llamado "de-mosaicing", para crear la imagen final.
El tamaño de impresión esta obtenido a una resolución de 200 dpi, lo que se considera una resolución más que suficiente para una impresión fotográfica, pero claro está, para la reproducción en off-set tendremos que restarle algo al tamaño, ya que la resolución para imprenta normalmente es de 300 dpi.
Por otro lado, no me gustaría desaprovechar la ocasión para recomendar a todo aquel que tenga que comprar una cámara fotográfica, que no base su compra tan solo en los megapíxeles, y que se fije muy mucho en el objetivo que lleva la máquina, el zoom óptico (no el digital) en el caso de una compacta y otras opciones como la posibilidad de utilizar los controles en manual, el macro de la máquina, etc.
Fuentes: ateneupopular.com - wikipedia.org
11/9/10
Midiendo la Potencia a través del Número Guía (Parte2)
¿Qué Es Exactamente el Número Guía?
El Número Guía (NG) es, sencillamente, una unidad que nos proporciona información sobre la potencia de un flash. A mayor Número Guía, mayor potencia proporciona un flash, y por lo tanto, mayor alcance. Por ejemplo, hay flashes con Número Guía 26, 36, 40...
Sí, muy bonito, ¿y eso para qué te sirve? Por supuesto, para lo primero que sirve es para saber, de entre varios flashes, cuál es el que más potencia tiene y, por tanto, aquel que te permitirá utilizarlo con buenos resultados a mayores distancias.
Además de esta idea de mayor o menor potencia, también te será de gran ayuda, como veremos más adelante, saber cómo se obtiene este Número Guía. La forma de obtenerlo es la siguiente:
NG = Distancia sensor-objeto x Apertura de Diafragma
Esto quiere decir que un flash que es capaz de iluminar correctamente un objeto situado a 2m con una apertura de diafragma f/11, cuenta con un NG 22 (2 x 11).
¿Y Qué Hay de la Relación entre Número Guía y Sensibilidad ISO?
A la anterior fórmula le falta un detalle, ¿verdad? Claro, si yo incremento la sensibilidad ISO de mi sensor, podré ampliar la distancia a la que se encuentre el objeto y, por consiguiente, el NG del flash, ya que para lograr una toma correctamente expuesta necesitaré menos luz.
Pues efectivamente, como suponías, a la anterior fórmula le falta la presencia de una referencia a la sensibilidad ISO. Pero no es que se me haya olvidado, sino que es habitual hablar de NG para ISO 100. De este modo, si se habla de Número Guía "a secas", se entiende que es el Número Guía para una sensibilidad ISO 100.
Para saber el NG con otra sensibilidad, basta aplicar una fórmula muy sencilla: Por cada 2 pasos que subes la sensibilidad ISO, has de duplicar el NG. Así, un flash que tiene NG 26 a ISO 100, tendrá NG 52 a ISO 400.
La fórmula exacta es: Por cada paso que subes la sensibilidad ISO, has de multiplicar por "Raíz Cuadrada de 2" el NG. De este modo:
NG n/1.4 a ISO 50 => NG n a ISO 100 => NG 1.4n a ISO 200 => NG 2n a ISO 400 => NG 2.8n a ISO 800
A estos valores que modifican el NG base (el obtenido para ISO 100), se les denomina Factores de Sensibilidad. De este modo, la fórmula del cálculo del NG queda del siguiente modo:
NG (ISO 100) x Factor Sensibilidad = Distancia x Apertura
Es decir, si disparas a ISO 100, no se ve alterada la fórmula vista anteriormente, pero si lo haces con otra ISO, deberás considerar que el Número Guía no será el mismo que para ISO 100, sino que estará afectado por el Factor de Sensibilidad.
¿El Número Guía y los Fabricantes?
Para poder medir el NG de un flash la forma más adecuada sería situar un fotómetro con la posibilidad de medir la intensidad de un flash a una distancia d1, disparar el flash en dirección al fotómetro y, éste, al devolvernos la apertura f1 con la que se debe disparar para obtener una toma correctamente expuesta, nos devolvería el NG (NG = d1 x f1). Sin embargo, lamentablemente no todos tenemos un fotómetro en casa, yo al menos no. Así que nos tenemos que fiar de los datos que nos proporcionan los fabricantes. Te pondré mi caso, yo me compré hace relativamente poco un Nikon SB-600 y ésta es la información literal que me ofrece el fabricante:
"El SB-600 es un flash... con un número guía de 30/98 (100 ISO, m)... (con el zoom ajustado a 35mm, 20ºC)"
Esto lo que viene a decir es que la potencia del flash en las mejores circunstancias, ya ves, incluso hablan de la tempeartura y del ajuste del zoom, puesto que en mi caso la antorcha tiene varias posiciones de zoom, es NG 30 (el 98 es si mides la distancia en pies).
Esto, en la mayoría de los fabricantes, viene a traducirse en que la potencia real final es algo menor que la que te indican. Ya que será muy difícil encontrarse en las condiciones óptimas con las que ellos obtuvieron ese número guía.
Pero, por supuesto, esa merma dependerá del fabricante y modelo y será algo que te toque ir evaluando y afinando a medida que comiences a utilizar tu flash.
La Posición Zoom de la Antorcha: También Influye en el NG
En la anterior mención que he hecho a las instrucciones que venían con mi SB-600 has visto cómo hablaba sobre el zoom del flash, ¿verdad? Concretamente se indicaba que el NG era 30 a ISO 100, para una posición del zoom ajustada a 35 mm. Cada vez son más numerosos los flashes que permiten modificar el ángulo de iluminación del flash, es lo que se conoce como cabezal o antorcha con zoom. De este modo, el ángulo de iluminación se asemeja al ángulo de visión empleado por el objetivo.
Esto permite, entre otras ventajas, ahorrar energía, reducir el viñeteo y, en posiciones "tele" mejorar el Número Guía del flash.
La sincronización de la posición de zoom del objetivo de la cámara y del flash puede ser manual o automática, de manera que al variar la focal del objetivo, el flash sea capaz de modificar el valor de zoom automáticamente o no.
Una vez explicado el concepto, parece claro, como hemos citado entre las ventajas del zoom, que este valor influirá en la obtención de un mayor Número Guía y así es.
Siguiendo con el ejemplo de mi SB-600, la variación del NG en función de la posición de zoom es la siguiente:
14mm => NG 14; 24mm => NG 26; 28mm => NG 28; 35mm => NG 30; 50mm => NG 36; 70 mm => NG 38
Como es lógico, a medida que ampliamos el valor del zoom, logramos un incremento del Número Guía. En realidad, lo que estamos haciendo es reducir el ángulo del destello, con lo que concentramos más éste y así la intensidad que recibe un objeto se incrementa.
Examen: ¿Qué Cálculos Tengo que Realizar a partir del NG?
Al final, toda esta información sobre el NG vale para que, a partir del NG de tu flash, sepas los cálculos que tienes que hacer para saber la apertura a utilizar en una toma o la distancia máxima a la que podrás situarte del objeto que pretendes fotografiar. Como si de los tiempos del colegio se tratase, voy a poner un par de problemas de examen (tranquilo, que te doy las soluciones) en los que se ponen de manifiesto estos cálculos.
Problema 1. Sabiendo que el Número Guía de su flash (para la posición de zoom seleccionada y a ISO 100) es 30 y que pretende realizar una fotografía a un objeto que se encuentra a 6 metros, ¿qué apertura deberá seleccionar para obtener una fotografía correctamente expuesta?
Apertura = NG (ISO 100) x Factor Sensibilidad / Distancia = 30 x 1 / 6 = 5 => Apertura = f/5
Problema 2. El Número Guía de su flash para ISO 100 es 22 (para la posición de zoom seleccionada), Ud. quiere ampliar al máximo la profundidad de campo y piensa utilizar una apertura f/11. Por otro lado, quiere tomar la fotografía a ISO 400, porque piensa que su flash no le proporciona la suficiente potencia. ¿A qué distancia deberá situarse del objeto fotografiado para que salga correctamente iluminado?
Distancia = NG (ISO 100) x Factor Sensibilidad / Apertura = 22 x 2 / 11 = 4 => Distancia = 4m
Fuente: http://www.dzoom.org.es
10/8/10
10 Rasgos que debes tener para ser un buen fotógrafo
Scott Bourne escribió en su blog una lista de rasgos que un buen fotógrafo debe poseer, no será la lista definitiva, pero creo que cada característica en esta lista es 100% acertada.
Revisa la lista y piensa si tienes esta cualidad o la estás cultivando, si encuentras alguna que no está incluida agrégala en los comentarios.
1. Pasión.
Tienes que estar obsesionado en conseguir la foto. No cualquier foto sino La Foto. En otras palabras, es necesario pensar, soñar, hablar y vivir la fotografía.
2. Estar dedicado al arte de la fotografía.
Esto no significa que necesitas ser un experto. Esto significa que debes dedicarte a convertirte en un experto. No importa cuánto tiempo te lleve.
3. Ser un cuenta cuentos.
Narrar historias es el corazón de la buena fotografía, en consecuencia, un buenos fotógrafo tiene que ser capaz de contar historias con su cámara.
4. Preocuparte por tu tema.
Necesitas ser un experto en la materia, ya sea de aves o de personas o vehículos o cascadas, lo que sea!. Los buenos fotógrafos aprenden todo lo que hay que saber sobre sus temas antes que coger una cámara. Procura siempre hacer esa foto como si fuera la única forma en que el sujeto será recordado.
5. Tener paciencia… y mucha!.
Tienes que estar dispuesto a practicar y estudiar a menudo. Tienes que estar dispuesto a buscar o esperar la luz. Tienes que ser capaz de sentarte en un escondite a esperar a ese pájaro que vendrá o sentarte en la esquina esperando la escena que sabes que ocurrirá. Y necesitas estar dispuestos a invertir horas, no minutos en esos propósitos.
6.Tener sentido de asombro e imaginación.
Necesitas tener curiosidad acerca de todo lo que fotografías y luego tienes que ser capaz de jugar con esa curiosidad para ver en qué lo puedes transformar.
7. Disposición de compartir.
Tienes que estar dispuesto a transmitir lo que aprendas con gusto a los demás. Tienes que mostrar tus fotos a todo el mundo. Debes proteger y preservar para los demás todos tus recuerdos fotográficos importantes.
8. Ánimos de Reclutar
Tienes que ser el tipo de fotógrafo que hace que otra gente quiera convertirse en fotógrafo.
9. Intentar un poco más que cualquier otro.
Los buenos fotógrafos esperan otros 15 minutos para el color perfecto en esa puesta de sol. Estudian su manual en la noche, incluso cuando están cansados. Gastan el dinero que no tienen en asistir a talleres y comprar libros de fotografía. Ellos van un paso más allá… y luego lo vuelven a hacer.
10. Desarrollar un estilo reconocible
Debes crear tu estilo, incluso si ese estilo no es un estilo!
¡Qué lista. Al releerla parece que es difícil ser un buen fotógrafo. pero, Si no fuera difícil, todo el mundo sería un buen fotógrafo.
http://www.elmerticas.com
PD: Estoy totalmente de acuerdo con lo que plantea este señor, es mas que nada un estilo de vida que una profesion o un pasatiempos.
Revisa la lista y piensa si tienes esta cualidad o la estás cultivando, si encuentras alguna que no está incluida agrégala en los comentarios.
Colibrí en vuelo, una foto que esperé por 4 años
1. Pasión.
Tienes que estar obsesionado en conseguir la foto. No cualquier foto sino La Foto. En otras palabras, es necesario pensar, soñar, hablar y vivir la fotografía.
2. Estar dedicado al arte de la fotografía.
Esto no significa que necesitas ser un experto. Esto significa que debes dedicarte a convertirte en un experto. No importa cuánto tiempo te lleve.
3. Ser un cuenta cuentos.
Narrar historias es el corazón de la buena fotografía, en consecuencia, un buenos fotógrafo tiene que ser capaz de contar historias con su cámara.
4. Preocuparte por tu tema.
Necesitas ser un experto en la materia, ya sea de aves o de personas o vehículos o cascadas, lo que sea!. Los buenos fotógrafos aprenden todo lo que hay que saber sobre sus temas antes que coger una cámara. Procura siempre hacer esa foto como si fuera la única forma en que el sujeto será recordado.
5. Tener paciencia… y mucha!.
Tienes que estar dispuesto a practicar y estudiar a menudo. Tienes que estar dispuesto a buscar o esperar la luz. Tienes que ser capaz de sentarte en un escondite a esperar a ese pájaro que vendrá o sentarte en la esquina esperando la escena que sabes que ocurrirá. Y necesitas estar dispuestos a invertir horas, no minutos en esos propósitos.
6.Tener sentido de asombro e imaginación.
Necesitas tener curiosidad acerca de todo lo que fotografías y luego tienes que ser capaz de jugar con esa curiosidad para ver en qué lo puedes transformar.
7. Disposición de compartir.
Tienes que estar dispuesto a transmitir lo que aprendas con gusto a los demás. Tienes que mostrar tus fotos a todo el mundo. Debes proteger y preservar para los demás todos tus recuerdos fotográficos importantes.
8. Ánimos de Reclutar
Tienes que ser el tipo de fotógrafo que hace que otra gente quiera convertirse en fotógrafo.
9. Intentar un poco más que cualquier otro.
Los buenos fotógrafos esperan otros 15 minutos para el color perfecto en esa puesta de sol. Estudian su manual en la noche, incluso cuando están cansados. Gastan el dinero que no tienen en asistir a talleres y comprar libros de fotografía. Ellos van un paso más allá… y luego lo vuelven a hacer.
10. Desarrollar un estilo reconocible
Debes crear tu estilo, incluso si ese estilo no es un estilo!
¡Qué lista. Al releerla parece que es difícil ser un buen fotógrafo. pero, Si no fuera difícil, todo el mundo sería un buen fotógrafo.
http://www.elmerticas.com
PD: Estoy totalmente de acuerdo con lo que plantea este señor, es mas que nada un estilo de vida que una profesion o un pasatiempos.
8/8/10
Elegir un Objetivo para Retratos: Elementos a Tener en Cuenta
¿Realmente necesito un objetivo para retratos?
Si te has hecho alguna vez la pregunta, probablemente ya tienes la respuesta.Imagino la situación. Estás profundizando en la fotografía, en algún momento te has comprado una cámara reflex, y tu cámara cuenta con un objetivo de los llamados de kit, uno de esos objetivos que vienen con la cámara.
No es que el objetivo sea malo, pero independientemente de que pueda cubrir tus necesidades a nivel de distancia focal, algo que no siempre es así, no es el objetivo más rápido del universo y puede que no te permita utilizar aperturas lo suficientemente grandes como para conseguir el efecto que deseas.
¿Qué focal es la más recomendable para retratos?
La focal utilizada a la hora de hacer retratos nos va a influir de dos formas en el resultado obtenido. Por un lado, cada focal tiene una compresión de la perspectiva diferente. En este sentido, se suele recomendar el uso de focales en el rango que va de los 50mm hasta los 135mm, ya que es en este rango focal en el que la compresión de la perspectiva del rostro es más adecuada.
Por otro lado, la focal utilizada va a determinar la distancia a la que nos tenemos que situar de la persona en función del tipo de plano que queramos sacar. En este sentido, suelo observar que la gente se muestra más tensa cuanto más cerca de ella se sitúa uno con su cámara pese a que trabajes bien la conexión con tu modelo a lo largo de la sesión.
¿Focal fija o variable para retratos?
Los más puristas de la fotografía te recomendarán el uso de focales fijas sin dudarlo.Hay un hecho obvio, y es que las focales fijas suelen contar con construcciones más robustas y más simples por la ausencia de ciertos elementos mecánicos que se suelen traducir en fotografías con una calidad estupenda en lo que a parámetros técnicos se refiere. Además, la mayor simplicidad se traduce en un menor coste de fabricación y en una consecuente reducción del precio del producto.
Pese a ello, hay muy buenos objetivos de focal variable cuyos resultados poco o nada tienen que envidiar a los de focal fija a la hora de hacer retratos, y cuentan con una ventaja fundamental a la hora de trabajar, y es la posibilidad de reencuadrar nuestro retrato sin necesidad de movernos del sitio, mientras que cuando trabajamos con focales fijas nos vemos obligados a movernos para conseguir el encuadre deseado.
¿Algún requisito de apertura?
Si has indagado en el maravilloso (y caro) mundo de los objetivos, a estas alturas sabrás ya lo que cuesta un buen objetivo. Y el precio suele estar relacionado con la mayor apertura que alcancen. La apertura en el retrato es fundamental por varios motivos.
Por un lado, las aperturas grandes te van a permitir aislar los detalles del fondo para poder centrarte en el rostro, que al fin y al cabo es el centro de interés de tu fotografía.
Por otro, esas aperturas llevadas al extremo te permitirían centrarte incluso en detalles concretos del rostro (como por ejemplo los ojos) según el tipo de plano que estés utilizando.
Y por último, los objetivos con grandes aperturas se comportan mejor por regla general a la hora de enfocar, lo que te permitirá trabajar con más soltura y precisión en la sesión.
¿Qué pasa con el bokeh?
El bokeh es un término cuyo significado es "desenfoque", y se utiliza en fotografía para referirse a la calidad de un objetivo por la estética de las zonas desenfocadas que produce en una foto.Y es que tan importante es la nitidez de las zonas enfocadas en una foto como el aspecto que presentan las zonas desenfocadas de la misma foto.
En retratos en exteriores o cualquier situación en la que el fondo de la fotografía no esté perfectamente controlado juega un papel muy importante, por lo que debería ser un elemento adicional a tener en cuenta a la hora de elegir.
Entonces, ¿qué objetivo para retratos me compro?
Como te decía, se trata de una decisión muy personal en la que influyen diferentes factores y entre ellos el precio. En un próximo artículo trataremos de hacer un repaso de los objetivos para retratos más extendidos entre la comunidad fotográfica para las diferentes monturas reflex. ¡Permanece atento!
4/8/10
Tips para el uso de perspectivas y profundidades.
Si bien todos pensamos que en la fotografía está el fiel reflejo de lo que hay en el mundo que nos rodea y que el fotógrafo ha decidido plasmar, lo cierto es que el mundo es tridimensional en tanto que la fotografía es bidimensional. Ahora bien, si nos preguntamos ¿cómo hacer para añadir lo que falta a la fotografía para encontrar en ella esta tercera dimensión? La respuesta es bastante sencilla: agregar perspectiva o profundidad a nuestras capturas.
La forma de lograr esta profundidad es lo que suele complicarnos como fotógrafos, ya que se ponen en juego varios elementos de la composición, los que ubicados de la manera correcta y con el espacio entre ellos indicado nos crearán esta sensación de profundidad que justamente le falta a la fotografía bidimensional.
Esta profundidad lograda por la ubicación de los elementos en la composición fotográfica actúa en nuestro cerebro al hacer que este tenga que discernir entre aquel que está más cerca y el que está más lejos; si logramos esto habremos añadido a la fotografía el sentido de perspectiva e inmediatamente se habrá creado la tercera dimensión.
Pero, ¿qué tipo de perspectiva se puede utilizar para alcanzar esta sensación de profundidad?
1- Perspectiva por la lente
Según la lente que escojamos para realizar nuestra fotografía lograremos una mayor o menor perspectiva, aunque en la realidad la perspectiva de esa escena sea una sola y no varíe, sí puede obtenerse una impresión de que lo hace y alcanzar mayor o menor profundidad de acuerdo a la elección de la lente a utilizar.
2- Líneas y perspectiva
Un viejo truco para engañar a nuestro cerebro es utilizar líneas paralelas ya que estas dan la sensación de alejamiento y profundidad; es tan sencillo como lo que ocurre con nuestro ojo al mirar una vía de tren, de frente, que se pierde en el horizonte; a medida que estas líneas que jamás se tocan se alejen de nosotros tendremos la sensación de que sí lo hacen. Este es el engaño que hace que nuestro cerebro nos informe que hay una distancia en la imagen, una profundidad. Para esto lo mejor es utilizar un objetivo gran angular.
3- Disminución de la perspectiva
Este efecto de disminución tiene una relación directa con la apariencia de los objetos en referencia al tamaño, esto es, si observamos una fila de postes o de árboles que desaparecen en la distancia, y si bien nuestro cerebro nos informa que deberían ser todos iguales en altura, lo cierto es que poco a poco iremos viendo que cada uno es más chico que el anterior. Utilizando esta escala podemos lograr un efecto muy eficaz para darle profundidad a nuestras fotografías.
Según la lente que escojamos para realizar nuestra fotografía lograremos una mayor o menor perspectiva, aunque en la realidad la perspectiva de esa escena sea una sola y no varíe, sí puede obtenerse una impresión de que lo hace y alcanzar mayor o menor profundidad de acuerdo a la elección de la lente a utilizar.
2- Líneas y perspectiva
Un viejo truco para engañar a nuestro cerebro es utilizar líneas paralelas ya que estas dan la sensación de alejamiento y profundidad; es tan sencillo como lo que ocurre con nuestro ojo al mirar una vía de tren, de frente, que se pierde en el horizonte; a medida que estas líneas que jamás se tocan se alejen de nosotros tendremos la sensación de que sí lo hacen. Este es el engaño que hace que nuestro cerebro nos informe que hay una distancia en la imagen, una profundidad. Para esto lo mejor es utilizar un objetivo gran angular.
3- Disminución de la perspectiva
Este efecto de disminución tiene una relación directa con la apariencia de los objetos en referencia al tamaño, esto es, si observamos una fila de postes o de árboles que desaparecen en la distancia, y si bien nuestro cerebro nos informa que deberían ser todos iguales en altura, lo cierto es que poco a poco iremos viendo que cada uno es más chico que el anterior. Utilizando esta escala podemos lograr un efecto muy eficaz para darle profundidad a nuestras fotografías.
4- Escala y comparación
Esta relación se utiliza para darle un sentido a la escala entre dos objetos a retratar, para ello solo es necesario que uno de los elementos u objetos sea de un tamaño reconocible, como por ejemplo una persona. Al colocar este sujeto de tamaño reconocible junto a otro que podría tener un tamaño indefinido estaremos brindando a quién observe nuestra imagen los elementos de comparación necesarios para establecer la escala adecuada al tamaño del segundo objeto o sujeto.
Esta relación se utiliza para darle un sentido a la escala entre dos objetos a retratar, para ello solo es necesario que uno de los elementos u objetos sea de un tamaño reconocible, como por ejemplo una persona. Al colocar este sujeto de tamaño reconocible junto a otro que podría tener un tamaño indefinido estaremos brindando a quién observe nuestra imagen los elementos de comparación necesarios para establecer la escala adecuada al tamaño del segundo objeto o sujeto.
5- Expandir la perspectiva
Otra forma igual de efectiva de lograr esta sensación de profundidad utilizando la perspectiva es usar una lente gran angular, con esta lente se extiende la perspectiva natural aumentando drásticamente si incluimos un objeto o sujeto, de tamaño reconocible, en primer plano. Al comparar este objeto o sujeto con el resto de los objetos a distancia el sentido de la escala es aún mayor, revelando distancias extremas y dando una excelente profundidad a la imagen.
Otra forma igual de efectiva de lograr esta sensación de profundidad utilizando la perspectiva es usar una lente gran angular, con esta lente se extiende la perspectiva natural aumentando drásticamente si incluimos un objeto o sujeto, de tamaño reconocible, en primer plano. Al comparar este objeto o sujeto con el resto de los objetos a distancia el sentido de la escala es aún mayor, revelando distancias extremas y dando una excelente profundidad a la imagen.
Al escoger cualquiera de estas formas de utilizar la perspectiva para dar un sentido de profundidad lograremos una composición más dinámica que revelará esa tercera dimensión de la que carecen la mayoría de las fotografías.
fuentes
19/7/10
El flash (1ºparte)
Cuando mi amiga Ro`me solicito que postear mas cosas sobre el tema de la luz pensé, por donde empezar, y es así que decidi comenzar con el flash, una herramienta muy importante en la fotografia que tiene toda cuestion a la hora de usarlo, asi que empezamos definiendo que es un flash, sus partes y para que sirve. Espero que les sea utill.
Lo primero que uno ha de saber cuando tiene un flash externo en sus manos es que está formado por tres elementos fundamentales y que cada uno de éstos lleva a cabo una tarea bien distinta dentro del proceso de iluminación que se consigue con un flash
Así es, aunque pueda parecernos que los flashes actuales son objetos tremendamente compactos, están formados por 3 elementos bien diferenciados:
Un flash externo es una gran ayuda en un sinfín de tomas, pero ¿sabes por qué? Muy sencillo, presta atención a sus características y descubrirás por qué resulta un accesorio tan importante.
Y otro aspecto muy valorable de los flashes externos es la capacidad de sincronizarse con otros flashes, con lo que pasamos a contar con más de una fuente puntual de luz, lo que conlleva lograr una mayor riqueza en luces y sombras en nuestras fotografías.
Parece que son todo ventajas, ¿verdad? Lamentablemente, no todo son buenas noticias.
Sin duda, el flash es una gran ayuda. Eso de contar con una luz portátil de cierta potencia, con unas características, en lo que a temperatura se refiere, similares a las del Sol y que puedes utilizar a tu antojo, ayuda y mucho.
Pero hay que conocer también sus limitaciones. Sólo así podrás hacer un mejor uso de tu flash externo.
Esta ley resultará fundamental para saber cómo utilizar tu flash, de modo que presta mucha atención.
La "ley Inversa del Cuadrado" es una ley que aplica a diversos fenómenos físicos y que consiste en que la intensidad de estos fenómenos disminuye a razón del cuadrado de la distancia al centro donde se originan. En particular, se refiere a fenómenos ondulatorios como son la luz y el sonido, siempre y cuando el foco de emisión sea puntual.
"En Castellano", lo que quiere decir, es que la intensidad de luz recibida por un objeto al ser iluminado con un flash que, por ejemplo, se encuentra a 1m, disminuye 4 veces (el doble al cuadrado) cuando situamos ese objeto al doble de distancia (2m). Y, por ende, esta intensidad disminuye 9 veces (el triple al cuadrado) cuando situamos ese objeto al triple de distancia.
f uente: http://www.dzoom.org.es
Lo primero que uno ha de saber cuando tiene un flash externo en sus manos es que está formado por tres elementos fundamentales y que cada uno de éstos lleva a cabo una tarea bien distinta dentro del proceso de iluminación que se consigue con un flash
Las Partes Fundamentales de Un Flash: Generador, Antorcha y Zapata
Así es, aunque pueda parecernos que los flashes actuales son objetos tremendamente compactos, están formados por 3 elementos bien diferenciados: - Generador. Es la parte integrada dentro del cuerpo del flash y, como su nombre indica, se encarga de generar la electricidad y almacenarla a través de un condensador, para que, posteriormente, sea proyectada a través de la antorcha, cuando el fotógrafo dispare. La velocidad de recarga del generador será, sin duda, un atributo a tener muy en cuenta a la hora de valorar un flash.
- Antorcha. Se trata de la parte superior del flash, lo que podríamos llamar cabeza del mismo. El cometido de esta parte es producir un destello de luz a partir de la electricidad proporcionada por el generador. Para ello, la antorcha tiene un compartimento lleno de gas Xenón y dos diodos en los extremos, de manera que al establecer la suficiente diferencia de potencial entre éstos, hace que salte una chispa y ésta, en contacto con el gas, genere el destello tan característico de los flashes.
- Zapata. Se trata del nexo de unión entre cámara y flash. Esta unión no es sólo una unión mecánica, pues si observas una zapata verás que existen contactos electrónicos que permiten la comunicación entre flash y cámara más allá de la simple orden de disparo. Pero tranquilo, ya lo veremos más adelante.
Propiedades Beneficiosas de la Luz Emitida por un Flash
Un flash externo es una gran ayuda en un sinfín de tomas, pero ¿sabes por qué? Muy sencillo, presta atención a sus características y descubrirás por qué resulta un accesorio tan importante. - Es como contar con un pequeño Sol portátil -permíteme la comparación- al que puedes indicar en qué dirección apuntar, con qué intensidad brillar y cuándo hacerlo.
- La luz que emite el flash es una luz completamente blanca, cuya temperatura de color es de 5500K, con lo que evitarás que tus fotos presenten cualquier dominancia al usar flash y no tendrás que preocuparte por el balance de blancos.
- El rendimiento de los flashes es muy alto, se calientan muy poco y esto hace que toda la energía generada sea empleada en los destellos, habiendo muy pocas pérdidas.
Y otro aspecto muy valorable de los flashes externos es la capacidad de sincronizarse con otros flashes, con lo que pasamos a contar con más de una fuente puntual de luz, lo que conlleva lograr una mayor riqueza en luces y sombras en nuestras fotografías.
Parece que son todo ventajas, ¿verdad? Lamentablemente, no todo son buenas noticias.
Las Limitaciones del Flash. También Tiene, Por Supuesto
Sin duda, el flash es una gran ayuda. Eso de contar con una luz portátil de cierta potencia, con unas características, en lo que a temperatura se refiere, similares a las del Sol y que puedes utilizar a tu antojo, ayuda y mucho. Pero hay que conocer también sus limitaciones. Sólo así podrás hacer un mejor uso de tu flash externo.
- Al tratarse de una luz puntual de cierta potencia, eso hace que se produzca un destello muy duro y directo, que deberemos saber cómo difuminar para evitar un resultado poco natural.
- Aunque un flash externo tiene mucha más potencia que un flash built-in (los incorporados en la cámara), no deja de ser una fuente de potencia limitada. Por lo que no te servirá para iluminar un objeto a cualquier distancia.
- No todos los flashes valen para todas las cámaras y aún valiendo para una cámara, podrán existir funcionalidades del flash, como veremos más adelante, que estarán restringidas a disponer de un tipo de cámara en concreto. Si te estás planteando comprarte un flash externo, cerciórate de la compatibilidad con tu cámara.
Esta ley resultará fundamental para saber cómo utilizar tu flash, de modo que presta mucha atención.
La Inversa del Cuadrado: Relación Entre Luz y Distancia
La "ley Inversa del Cuadrado" es una ley que aplica a diversos fenómenos físicos y que consiste en que la intensidad de estos fenómenos disminuye a razón del cuadrado de la distancia al centro donde se originan. En particular, se refiere a fenómenos ondulatorios como son la luz y el sonido, siempre y cuando el foco de emisión sea puntual. "En Castellano", lo que quiere decir, es que la intensidad de luz recibida por un objeto al ser iluminado con un flash que, por ejemplo, se encuentra a 1m, disminuye 4 veces (el doble al cuadrado) cuando situamos ese objeto al doble de distancia (2m). Y, por ende, esta intensidad disminuye 9 veces (el triple al cuadrado) cuando situamos ese objeto al triple de distancia.
f uente: http://www.dzoom.org.es
15/7/10
Stop Motion
Hace unas semanas que vengo encontrando una serie de stop motions de muy buena calidad, la verdad que evolucionaron muchisimo desde sus comienzo. ahora les dejo una simple explicación segun wikipedia que me parece explica brevemente lo que es esta tecnica.
El stop motion, parada de imagen, paso de manivela o cuadro por cuadro es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas. En general se denomina animaciones de stop motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, ni en la animación por ordenador; esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad.
Hay dos grandes grupos de animaciones stop motion: la animación con plastilina o cualquier otro material maleable, llamada en inglés claymation, y las animaciones utilizando objetos rígidos.
La animación con plastilina puede hacerse al "estilo libre", cuando las figuras se van transformando en el progreso de la animación. Puede también orientarse a personajes, que mantienen una figura consistente en el transcurso de la película.
El stop motion se utiliza para producir movimientos animados de cualquier objeto, incluyendo juguetes, bloques y muñecas. Esto se conoce como «objeto de animación».
Stop motion es también el medio para la producción de pixilación, la animación de la vida humana o animal. Ejemplos de ello son las películas de Mike Jittlov como asistente en The wizard of speed and time (1980), el largometraje del mismo nombre (1987-89), el corto francés de 1989 Gisele Kerozene por Eisa Cayo y Jan Kunen, y algunos trabajos del animador escocés Norman McLaren.
El go motion es una variante del "stop motion", por el que aplicando un sistema de control a muñecos (animatronic) se les induce a realizar movimientos mientras se registra la animación fotograma a fotograma. Como resultado se produce un "efecto de blur" sobre las partes en movimiento que aumenta la sensación de realismo.
Una variación del stop motion es la animación gráfica de fotografías (en su totalidad o en partes). Algunos ejemplos son Frank Film y Braverman's Condensed Cream of Beatles (1972).
Algunos ejemplos, espero que les guste
El stop motion, parada de imagen, paso de manivela o cuadro por cuadro es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas. En general se denomina animaciones de stop motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, ni en la animación por ordenador; esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad.
Hay dos grandes grupos de animaciones stop motion: la animación con plastilina o cualquier otro material maleable, llamada en inglés claymation, y las animaciones utilizando objetos rígidos.
La animación con plastilina puede hacerse al "estilo libre", cuando las figuras se van transformando en el progreso de la animación. Puede también orientarse a personajes, que mantienen una figura consistente en el transcurso de la película.
El stop motion se utiliza para producir movimientos animados de cualquier objeto, incluyendo juguetes, bloques y muñecas. Esto se conoce como «objeto de animación».
Stop motion es también el medio para la producción de pixilación, la animación de la vida humana o animal. Ejemplos de ello son las películas de Mike Jittlov como asistente en The wizard of speed and time (1980), el largometraje del mismo nombre (1987-89), el corto francés de 1989 Gisele Kerozene por Eisa Cayo y Jan Kunen, y algunos trabajos del animador escocés Norman McLaren.
El go motion es una variante del "stop motion", por el que aplicando un sistema de control a muñecos (animatronic) se les induce a realizar movimientos mientras se registra la animación fotograma a fotograma. Como resultado se produce un "efecto de blur" sobre las partes en movimiento que aumenta la sensación de realismo.
Una variación del stop motion es la animación gráfica de fotografías (en su totalidad o en partes). Algunos ejemplos son Frank Film y Braverman's Condensed Cream of Beatles (1972).
Algunos ejemplos, espero que les guste
9/7/10
Descubre 7 Malos Hábitos Fotográficos que Podrían Estar Arruinando tus Fotos
Navegando por los diversos blogs de fotografías que existen es que descubri estos pequeños, para algunos insignificantes pero realmente muy utiles consejos. Espero que les sirva.
Te gusta la fotografía. Ya llevas un tiempo con cámara e incluso, poco a poco, vas ampliando tu equipo. Tienes inquietudes y te gusta, de cuando en cuando, leer artículos de fotografía que te ayuden a mejorar. Disparas tratando de conseguir fotos cada vez mejores sin saber que... puede ser que tengas una serie de malos hábitos fotográficos que no te permiten progresar.
Una de las grandes ventajas que ha aportado la fotografía digital es que, al no ser necesario el revelado, el coste de disparar es cero. Pero hete aquí que una de las mayores ventajas puede convertirse en un gran inconveniente. Y es disparar sin pensar, como si una buena foto sólo pudiera ser fruto del azar. Si eres de los que disparas a lo loco, debes saber que:
Suele pasar en condiciones de baja luz. En el fragor de la batalla y tratando de inmortalizar esa escena que ven tus ojos, te olvidas de comprobar si podrías haber expuesto correctamente la instantánea con menor ISO posible. [Nota: si todavía no sabes muy bien qué es eso del ISO, te recomiendo que te des una vuelta por este artículo.]
Por muy buena que sea tu cámara (y mira que han evolucionado en lo que a ruido se refiere) hay niveles de ISO en que el nivel de ruido es claramente mejorable. Por eso, uno de los malos hábitos que deberías desterrar es... no prestar atención al ISO.
No me malinterpretes. No te estoy diciendo que no debas cuidar tu cámara y tu equipo. Lo que sí te digo es que no deberías renunciar a tomar fotos increíbles por intentar sobreproteger tu cámara o por no contar con los debidos elementos para protegerla. Está claro que bien guardada en el armario la cámara no corre riesgo de estropearse pero... la compraste para hacer fotos ¿no? Así que, si te he convencido, tal vez quieras echar un vistazo a estos artículos para ayudarte a protegerla:
Debe ser porque nuestra tendencia natural es al mínimo esfuerzo. Por eso, si no prestas la debida atención, es muy probable que te sorprendas a ti mismo disparando siempre desde la situación más cómoda. Y, está claro, no se trata de eso. Así que, mantente en guardia, y no dejes de buscar el ángulo más interesante... aunque requiera agacharse ¿de acuerdo?
fuente: http://www.dzoom.org.es
Te gusta la fotografía. Ya llevas un tiempo con cámara e incluso, poco a poco, vas ampliando tu equipo. Tienes inquietudes y te gusta, de cuando en cuando, leer artículos de fotografía que te ayuden a mejorar. Disparas tratando de conseguir fotos cada vez mejores sin saber que... puede ser que tengas una serie de malos hábitos fotográficos que no te permiten progresar.
Disparar a lo Loco y Sin Pensar
Una de las grandes ventajas que ha aportado la fotografía digital es que, al no ser necesario el revelado, el coste de disparar es cero. Pero hete aquí que una de las mayores ventajas puede convertirse en un gran inconveniente. Y es disparar sin pensar, como si una buena foto sólo pudiera ser fruto del azar. Si eres de los que disparas a lo loco, debes saber que: - si no piensas antes de disparar, tu aprendizaje en fotografía será mucho más lento y, por mucha suerte que tengas, la calidad de tus fotos no será tan alta como podría.
- disparar a lo loco aumenta considerablemente el número de fotos, con lo que se disparan las horas de trabajo en la computadora archivando, seleccionando y preparando las fotos para presentarlas.
No Cuidar la Exposición por Creer que en RAW Todo Tiene Arreglo
Ya hemos hablado en muchas ocasiones de las ventajas de disparar en RAW y su tremenda elasticidad para mejorar defectos de exposición en las fotos. Pero por muy bueno y recomendable que sea disparar en RAW, eso no quita para que no persigas en cada una de tus fotos la mejor de las exposiciones que puedas conseguir, teniendo en cuenta las condiciones de luz ambientales y los niveles de ruido que estás dispuesto a tolerar. Considerar que puedes disparar sin buscar la mejor de las exposiciones es otro de esos vicios fotográficos en que puedes estar cayendo. Si es así, este puede ser un buen momento para enmendarte ¿no crees ;) ?No Prestar Atención al ISO... y Acabar con Ruido que Podrías Haber Evitado
Suele pasar en condiciones de baja luz. En el fragor de la batalla y tratando de inmortalizar esa escena que ven tus ojos, te olvidas de comprobar si podrías haber expuesto correctamente la instantánea con menor ISO posible. [Nota: si todavía no sabes muy bien qué es eso del ISO, te recomiendo que te des una vuelta por este artículo.] Por muy buena que sea tu cámara (y mira que han evolucionado en lo que a ruido se refiere) hay niveles de ISO en que el nivel de ruido es claramente mejorable. Por eso, uno de los malos hábitos que deberías desterrar es... no prestar atención al ISO.
Sujetar una Réflex Como si se Tratara de una Compacta
Si acabas de ingresar en el mundo de la fotografía réflex, puede estarte pasando esto. Y es que una réflex no se coge como una compacta. Evitar fotos movidas y conseguir un buen encuadre dependen en buena medida de que tengas bien cogida la cámara. Por eso te recomiendo que repases Descubre Cómo Sujetar Correctamente tu Cámara y Di Adiós a las Fotos Movidas.Dejar Guardada la Cámara por Miedo a que se Estropee
No me malinterpretes. No te estoy diciendo que no debas cuidar tu cámara y tu equipo. Lo que sí te digo es que no deberías renunciar a tomar fotos increíbles por intentar sobreproteger tu cámara o por no contar con los debidos elementos para protegerla. Está claro que bien guardada en el armario la cámara no corre riesgo de estropearse pero... la compraste para hacer fotos ¿no? Así que, si te he convencido, tal vez quieras echar un vistazo a estos artículos para ayudarte a protegerla: - 8 Cosas que Puedes Hacer para Proteger el Objetivo de tu Cámara
- Cómo Comprar una Armadura Protectora para tu Cámara por Menos de 25 Euros
- Cómo Elegir Bolsa para tu Cámara y no Morir en el Intento
No Poner la Suficientes Dosis de Paciencia
Detrás de la mayoría de las grandes fotos que has visto hasta la fecha hay mucha, pero que mucha paciencia. Paciencia en la preparación de la foto. Paciencia esperando a que se diera el momento ideal. Paciencia también a lo largo de los años y muchos intentos de fotografía. Es cierto que la fotografía es tan caprichosa que, a veces, se alcanzan grandes resultados de modo casi accidental. Pero, te aseguro, que si le pones toda la paciencia que te pida, tus fotos mejorarán drásticamente.Disparar Siempre Desde el Mismo Ángulo
Debe ser porque nuestra tendencia natural es al mínimo esfuerzo. Por eso, si no prestas la debida atención, es muy probable que te sorprendas a ti mismo disparando siempre desde la situación más cómoda. Y, está claro, no se trata de eso. Así que, mantente en guardia, y no dejes de buscar el ángulo más interesante... aunque requiera agacharse ¿de acuerdo? ¿Algún Otro Mal Hábito?
Seguro que has visto a amigos o sencillamente desconocidos por la calle con esos pequeños vicios que pueden hacer que una foto pase de genial a solo buena. ¿Es así? Si se te ocurre algún otro mal hábito fotográfico, ¡cuéntanoslo en los comentarios!Enlaces Relacionados
- Descubre Cómo Sujetar Correctamente tu Cámara y Di Adiós a las Fotos Movidas
- Cómo Elegir Bolsa para tu Cámara y no Morir en el Intento
- RAW vs JPEG: Cuándo, Cómo y Por Qué
- The 5 Worst Habits of New Photographers
fuente: http://www.dzoom.org.es
30/6/10
Ver la Luz
La luz, nada menos importante a la hora de fotografiar cualquier cosa, uno de los requerimiento indispensable para esto y es por este motivo que es una de las cosas mas complicadas de controlar y por pedido de una amiga, dejo una guía para tomar buenas fotografías que encontre en la web Cristalab, una guia basica de las cosas a tener cuenta a la hora de tomar fotografías, me parece que es muy practica y sencilla. A partir de aqui en algunos post siguientes iré ahondando es cuestiones mas especificas de iluminación en diferentes situaciones. Espero que les sirva.
La identificamos porque da una sombra con bordes nítidos y bien definidos. Esta luz acentúa el contraste entre las regiones de luz y de sombra del objeto. Destaca los detalles de casa textura, por lo que no se recomienda para retratos. Se puede usar en escenas donde predomina el vigor o la fuerza.
TIP: Para eliminar el contraste de luces y sombras que se produce en un sujeto cuando lo iluminamos con una bombilla del alumbrado público, debemos acercarlo a una pared blanca, para que el reflejo que ésta produce ilumine el lado que queda oscuro.
Este tipo de luz destaca el volumen y por ende la tridimensionalidad del objeto (lo divide en varios planos) y la textura de las superficies. Si la luz incide lateralmente al motivo, la sombra queda perpendicular al fotógrafo y forma parte de la imagen, por lo que puede tener parte activa en la composición.
La fotografía nocturna es extremadamente contrastada. Se aconseja tomar este tipo de fotografías justo antes del anochecer, para aprovechar la luz. Si se toma la foto cuando ha caído la noche la exposicion debe ser larga, para recoger mayor cantidad de luz, pero no demasiado si no se quieren lograr manchas producidas por el movimiento de las fuentes luminosas.
TIP: Cuando tomamos fotos apuntando hacia el sol, pueden aparecer destellos que reproducen la forma del diafragma. Este destello puede constituir un elemento dentro de la composición, si queremos acentuarlo debemos cerrar al máximo el diafragma, pero si se quiere eliminar basta con poner un parasol en el objetivo.
La ausencia de luz respecto al entorno llega a ser tan importante en la composición como la luz misma. Las sombras pueden estar contenidas en el motivo (permanecen en los límites del mismo)o pueden ser proyectadas por él (se forman sobre una superficie ajena al motivo). A veces se presentan simultáneamente.
Todas las sombras aportan información muy importante sobre el volumen y las formas, en el caso de las sombras proyectadas también nos da una idea de la altura, o la distancia del suelo del objeto. A veces la sombra nos permite prescindir del objeto que la proyecta.
TIP: Para lograr una foto en la cual una sombra contenida en el motivo es la protagonista, se debe colocar un fondo blanco, iluminado a cada lado con una luz dura, y luego el sujeto, de espaldas al fondo, con 2 divisiones para que la luz no afecte la parte delantera de él. Es mejor colocar al sujeto de perfil, ya que éste contiene mas información.
La luz constituye un tema inagotable. Velas, antorchas, fogatas, un fósforo, o hasta el sol, sirven, no solo como fuente de iluminación, sino también, como motivo principal de una imagen.
Los reflejos especulares son provechosos, solo hay que recordar que el ángulo de incidencia es igual al ángulo de reflexión:
TIP: Al explorar las posibilidades de los reflejos es una buena idea expresar las relaciones que pueden existir entre los objetos, aprovechar los espejos, charcos, o cualquier objeto que actúe como tal. Debe tenerse en cuenta que la distancia real a que se encuentra el motivo es la que existente éste y la cámara, y no la falsa distancia entre la superficie reflectante y la cámara.
Es importante tener en cuenta las propiedades de cada motivo al escoger la iluminación adecuada para fotografiarlo. Los objetos pueden ser luminosos (si reflejan la luz que reciben), opacos (si la absorben), transparentes (si la luz los atraviesa) o traslúcidos (si la luz que los atraviesa es dispersada en todas direcciones, haciéndose difusa).
TIP: Para retratar un objeto muy brillante sin que se refleje en el nuestra cámara, lo mejor es meter el objeto en una especie de urna, hecha de un material difusor (cartón pintado de blanco, por ejemplo) y dejar solo una pequeña abertura para el objetivo de la cámara.
- Luz
- Formas
- Composición
La luz
1. Calidad
La calidad de la luz a utilizar depende del tamaño de la fuente (lámparas, bombillas, el sol, etc.) y de la distancia relativa entre ella y el motivo. Mientras mas grande sea la fuente o mas cerca esté del motivo, mayor será la calidad de la luz. No debe confundirse con la intensidad, por ejemplo, el sol y la luna tienen una notable diferencia en cuanto a la intensidad de su luz, sin embargo, tienen la misma calidad, siempre y cuando no interfieran las nubes, ya que su tamaño y distancia relativas de la superficie de la Tierra son semejantes.1.1 Luz dura
La identificamos porque da una sombra con bordes nítidos y bien definidos. Esta luz acentúa el contraste entre las regiones de luz y de sombra del objeto. Destaca los detalles de casa textura, por lo que no se recomienda para retratos. Se puede usar en escenas donde predomina el vigor o la fuerza.
1.2 Luz suave
Se produce por una fuente de luz muy extensa, de poca intensidad. Esta luz apenas arroja sombras, resta importancia al motivo, haciendo que predomine el volumen sobre las líneas. Se usa para escenas familiares.1.3 Luz semidifusa
Es una luz inicialmente dura, que se suaviza un poco mediante difusores, que pueden ser cortinas, las nubes, etc. Proyecta sombras, pero sus bordes no son nítidos. Esta luz suaviza el contraste entre las regiones de luz y de sombras, por lo que se recomienda para retratos.TIP: Para eliminar el contraste de luces y sombras que se produce en un sujeto cuando lo iluminamos con una bombilla del alumbrado público, debemos acercarlo a una pared blanca, para que el reflejo que ésta produce ilumine el lado que queda oscuro.
2. Dirección
2.1 Luz Lateral
Este tipo de luz destaca el volumen y por ende la tridimensionalidad del objeto (lo divide en varios planos) y la textura de las superficies. Si la luz incide lateralmente al motivo, la sombra queda perpendicular al fotógrafo y forma parte de la imagen, por lo que puede tener parte activa en la composición.
2.2 Luz frontal
Es cuando la luz llega al motivo cuando proviene de atrás del fotógrafo por lo que la sombra queda detrás del motivo. Destaca el color y los detalles. Sin embargo los planos tienden a acercarse entre sí, por lo que el motivo se verá plano. Por lo general se obtienen buenos resultados con su utilización.2.3 Luz de borde o contraluz
La luz proviene de atrás del motivo, la sombra se proyecta hacia el fotógrafo y el motivo queda reducido a una silueta. Este tipo de luz sirve para dar un efecto espiritual a una imagen, especialmente en retratos de perfil.3. Luz natural
El clima ejerce una influencia considerable sobre la intensidad, calidad y color de la luz. Cuando el cielo esta cubierto de nubes, la luz se suaviza y debilita y con frecuencia cambia de color (se vuelve azulada). Antes y después de una tormenta, con el cielo gris, se muestran unas manchas de diversos colores, el terreno se ve atravesado por luces que cambian rápidamente sus matices. También es importante considerar que la hora del día influye sobre el color de la luz.La fotografía nocturna es extremadamente contrastada. Se aconseja tomar este tipo de fotografías justo antes del anochecer, para aprovechar la luz. Si se toma la foto cuando ha caído la noche la exposicion debe ser larga, para recoger mayor cantidad de luz, pero no demasiado si no se quieren lograr manchas producidas por el movimiento de las fuentes luminosas.
TIP: Cuando tomamos fotos apuntando hacia el sol, pueden aparecer destellos que reproducen la forma del diafragma. Este destello puede constituir un elemento dentro de la composición, si queremos acentuarlo debemos cerrar al máximo el diafragma, pero si se quiere eliminar basta con poner un parasol en el objetivo.
4. Sombras
La ausencia de luz respecto al entorno llega a ser tan importante en la composición como la luz misma. Las sombras pueden estar contenidas en el motivo (permanecen en los límites del mismo)o pueden ser proyectadas por él (se forman sobre una superficie ajena al motivo). A veces se presentan simultáneamente.
Todas las sombras aportan información muy importante sobre el volumen y las formas, en el caso de las sombras proyectadas también nos da una idea de la altura, o la distancia del suelo del objeto. A veces la sombra nos permite prescindir del objeto que la proyecta.
TIP: Para lograr una foto en la cual una sombra contenida en el motivo es la protagonista, se debe colocar un fondo blanco, iluminado a cada lado con una luz dura, y luego el sujeto, de espaldas al fondo, con 2 divisiones para que la luz no afecte la parte delantera de él. Es mejor colocar al sujeto de perfil, ya que éste contiene mas información.
5. La luz como motivo
La luz constituye un tema inagotable. Velas, antorchas, fogatas, un fósforo, o hasta el sol, sirven, no solo como fuente de iluminación, sino también, como motivo principal de una imagen.
6. Reflejos
Los reflejos especulares son provechosos, solo hay que recordar que el ángulo de incidencia es igual al ángulo de reflexión:
TIP: Al explorar las posibilidades de los reflejos es una buena idea expresar las relaciones que pueden existir entre los objetos, aprovechar los espejos, charcos, o cualquier objeto que actúe como tal. Debe tenerse en cuenta que la distancia real a que se encuentra el motivo es la que existente éste y la cámara, y no la falsa distancia entre la superficie reflectante y la cámara.
7. Las propiedades del motivo
Es importante tener en cuenta las propiedades de cada motivo al escoger la iluminación adecuada para fotografiarlo. Los objetos pueden ser luminosos (si reflejan la luz que reciben), opacos (si la absorben), transparentes (si la luz los atraviesa) o traslúcidos (si la luz que los atraviesa es dispersada en todas direcciones, haciéndose difusa).
TIP: Para retratar un objeto muy brillante sin que se refleje en el nuestra cámara, lo mejor es meter el objeto en una especie de urna, hecha de un material difusor (cartón pintado de blanco, por ejemplo) y dejar solo una pequeña abertura para el objetivo de la cámara.
26/6/10
Mirar Moda
Hace un tiempo escribi un par de notas para un blog de fotografia, alguno tips que a mi parecer son buenos a tener en cuenta a la hora de realizar fotografía de moda, asi como una serie de links que considero de lo mas interesantes para navegar.
Para tener en cuenta.
Les dejo una serie de links
Fotografo de deportes, observen el ojo y como cambia y siguen siendo las fotos de fotos de basquet y gente corriendo y darle el tono publicitario, mas alla del retoque por supuesto http://www.stevebonini.com
Diego speroni, no es fotografo, es retocador, tiene interesantes laburos http://diegosperoni.com.ar/#
Jamey stilling, muy buenas fotos, no son de moda especificamente, pero vean su galeria conceptual, http://www.jameystillings.com
http://felixus.com/roberterdmann.htm un portfolio interesante, bastante formal, nada muy safado.
Patrick Demarchelier, moda con un toque bastante artistico, personalmente me gusta
http://www.demarchelier.net
http://www.hakanphotography.com/ este portfolio me gusta mucho, muy colorido, interesante y con diversidad
Mario Testino, este es uno de los tipos que patea alto. http://www.mariotestino.com/section/1
Terry Richardson, muyyy freak el tipo, y tiene muy buenas cosas http://www.terryrichardson.com/
Una de las pocas niñas en fotografia de moda, y es argentina, http://www.julietaromalde.com.ar/ Fabian
Laghi con tremendas producciones, y muchas muy conocidas http://www.julietaromalde.com.ar/
Y por ultimo les dejo la web de Miguel Esmoris, http://www.esmoris.net/
Para tener en cuenta.- Tener una cabeza abierta (muy abierta) para entender a la mujer, a la/el modelo, a la gente y aprovechar todo un mundo que te rodea como escenario de una infinidad de miradas sobre un mismo objeto/modelo.
- Conocer todo y de todo lo que se necesita para una produccion de moda, saber de ropa, telas, texturas, tendencias etc. y todo aquello que les interesa a las diseñadoras de moda, a los fotografos de moda tambien debe interesarles, es una manera de estar actualizados y poder variar siempre. Existen miles de recursos para escenificar una producción de moda asi como conceptos.
- Conocer maquillajes y peinados, por supuesto maquilladoras y peinadores que han de ser unas gran aliadas a la hora de la foto. Un maquillaje bien hecho y de buena calidad evita horas de post producción y retoque dejando asi una foto mas pura y real.
- La iluminación, esto creo que es uno de los puntos mas importantes, una buena iluminación da calidad de imagen, y la buena calidad imagen se vende mejor y te vende mejor. Algunos pensaran, ” bueno pero los fotografos de moda tienen equipos de P… Madre. Y si, es verdad, pero tambien hay una manera mas economicas que con ingenio se tiene una excelente calidad luz y es usando el SOL, ya sea tamizando o con rebotes se puede lograr muy buena calidad de imagen, lamentablemente estas condicionado por horario y clima, pero se puede.
- Manejo de modelos, en lo personal es lo mas intimidante para mi y estoy muy seguro que para la modelo aun más, lograr que me de esa pose y ese gesto le queda muy bien ciertamente es un laburo, pero laburo de actitud, de como encararla sin ser agresivo, con vos suave pero firme y tus indicaciones sean claras, y en el caso de que no lo sean mucho, ejemplificar la pose haciendola vos mismo, asi ya tienen un indicación visual de lo que queres.
- Y por ultimo y que doy fe, por lo menos a mi me funciona es mirar y mirar mucho, tomar ejemplos, obviamente no para copiar, pero tampoco van a inventar nada nuevo, siempre hay variables pero mirar a los buenos ayuda a darse una idea ya sea de pose, luz, maquillaje, peinado y hasta ambientes y puestas en escena.
Les dejo una serie de links
Fotografo de deportes, observen el ojo y como cambia y siguen siendo las fotos de fotos de basquet y gente corriendo y darle el tono publicitario, mas alla del retoque por supuesto http://www.stevebonini.com
Diego speroni, no es fotografo, es retocador, tiene interesantes laburos http://diegosperoni.com.ar/#
Jamey stilling, muy buenas fotos, no son de moda especificamente, pero vean su galeria conceptual, http://www.jameystillings.com
http://felixus.com/roberterdmann.htm un portfolio interesante, bastante formal, nada muy safado.
Patrick Demarchelier, moda con un toque bastante artistico, personalmente me gusta
http://www.demarchelier.net
http://www.hakanphotography.com/ este portfolio me gusta mucho, muy colorido, interesante y con diversidad
Mario Testino, este es uno de los tipos que patea alto. http://www.mariotestino.com/section/1
Terry Richardson, muyyy freak el tipo, y tiene muy buenas cosas http://www.terryrichardson.com/
Una de las pocas niñas en fotografia de moda, y es argentina, http://www.julietaromalde.com.ar/ Fabian
Laghi con tremendas producciones, y muchas muy conocidas http://www.julietaromalde.com.ar/
Y por ultimo les dejo la web de Miguel Esmoris, http://www.esmoris.net/
20/6/10
10 Pasos para tomar fotografías de moda preciosa
Creo que unas de las tantas preguntas que uno se hace cuando empieza a hacer moda es ¿como es que logran esas imagenes impactantes y atrayentes?, bueno aqui les dejo 10 consejos de una fotografa de moda que descubri recientemente, se llama Melissa Rodwell, es fotografa de moda y escribe un blog mas que interesante, todo respecto a la fotografia de moda, consejos, tutoriales y demas, la verdad muy interesante, es de aqui que extraje estos consejos que me parecen que son mas que utiles y les dejo el link de su blog. Si tienen un tiempo veanlo!
Útiles pasos para capturar la moda que la Gran Momento!
Hoy quiero hablar de algunos consejos que le ayudarán a darle a sus fotos ese factor WOW!El punto en todo proceso de creación de imágenes es comprometer a su espectador. La integridad de los 10 pasos en mente cuando estás en tu próxima toma de fotos de moda le ayudará a hacer justamente
1. Involucrar a la modelo: el contacto visual uso. Contacto con los ojos directamente a la cámara es poderosamente atractiva. Se conecta firmemente el modelo con el espectador de la imagen.
2. Mirando a otro lado. Tener el modelo mirando a otro lado, se centró en algo fuera de cámara, es una forma intrigante para involucrar a su espectador.Crea una sensación de misterio, instando al espectador a contemplar lo que el modelo podría ser mirando.
3. Los modelos que buscan el uno al otro. Ayuda a crear una historia dentro de la imagen y el espectador se engancha en la historia y las emociones sean compartidas entre los modelos.
4. Romper las reglas! (Personalmente, mi cosa favorita de hacer) Confusión con la composición.Colocar el modelo sea el punto muerto o ponerlos a la derecha hasta el borde del marco.Mi teoría acerca de las reglas es la siguiente: Usted debe saber para romperlas!
5. Experimento con la luz. Mezclar la luz natural con flash o luz de tungsteno. Deja el obturador abierto durante más tiempo de lo normal y dejar que inunde la toma. La luz crea DRAMA. Usalo
6. Consigue que la mudanza de modelo. Llévala fuera del estudio, todos vestidos con tacos y el maquillaje. Sácala a una concurrida calle y deje el trabajo a sus pies y detener el tráfico! Es increíble cómo la confianza se hará cargo de la niña y lo fuerte que hará de su imagen!
7. Cambiar el ángulo. Normalmente una regla de oro para el rodaje de la moda es para el fotógrafo a ser bajo o cerca del suelo en orden de disparar hacia el modelo. Esto alarga el modelo.Pero ¿qué he dicho anteriormente acerca de las reglas?Sí ... a romper! Como lo mencioné en un post anterior , y como hemos visto en los videos, me muevo mucho cuando yo disparo para obtener una variedad de ángulos.Sube a una escalera y derribar, o intente disparar desde ángulos diferentes.Ver lo que hace que para un tiro interesante.
8. Obtener un apoyo, Participa! Qué interesante es que cuando un modelo está jugando con un bolso o un tubo de lápiz labial. Se añade un sentido de la "realidad", dejando que el espectador tome en un enfoque voyeurista como si se están alcanzando el modelo en un momento privado.
9. Agarra los disparos al azar franca. Esté atento a los momentos en que el modelo se está ajustando la falda o que baja para sujetar la correa de su zapato. Cuando el modelo está mirando a otro lado y su atención está en otra parte por un momento, es inesperado y es sexy! Porque es un momento real. Los tiros que no se plantean suelen ser tan dinámica!
10. Jugar con las emociones. Obtener la chica que fingir para llorar o hacer que se ríen maliciosamente ... o incluso desprecio. Haga que actue!Es otra forma de participar a sus lectores y mantenga su atención en una fotografía ya que "sólo otra bonita foto.
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