National Geographic

Les dejo una seleccion de fotos de algunas de las fotografias que realizan, creo que nunca dejaran de sorprender las increibles tomas que realizan asi como la calidad de las mismas.

No hay duda alguna que estos tipos pasan su vida buscando LA FOTO, y estos son los resultados.

http://www.nationalgeographic.com/

Pueden descargar las imagenes que estan en resoluccion para wallpaper.

5 razones para usar el mínimo equipo fotográfico…

 
La bóveda fantástica. Leeds, Inglaterra, 2009 – Nikon D700, 14-24 f2,8, ISO 1600, f8, 1/320

¿Por qué deberíamos concentrarnos más en nuestra capacidad y menos en nuestro equipo? Cuando se es aficionado a la fotografía, tarde o temprano uno se ve atraído por el más potente de los cantos de sirena: la necesidad de comprar, renovar o ampliar nuestro equipo fotográfico. Es la típica situación en la que “él que esté libre de pecado, que tire la primera piedra”. Pero leyendo el artículo que publica Steve Berardi en PhotoNaturalist uno vuelve a reflexionar sobre cuanto de necesario es el nuevo equipo, tan atractivo siempre, para consolidarnos como un buen fotógrafo. El autor desgrana unos puntos sobre los que argumenta el título de partida:

1.- La visión es mucho más importante que el equipo: 

¿No os ha pasado que alguien vea una foto nuestra y diga “vaya cámara que tienes”? Es frustrante hasta cierto punto que alguien vea una foto nuestra y se fije en la cámara, o piense sobre ella, antes que la verdadera habilidad tras una imagen bien realizada, que no es otra que la visión del fotógrafo capaz de hacer posible la foto. La cámara sólo estaba allí para permitirnos plasmar nuestra visión.

2.- Menos equipo significa menos peso en la espalda:

No sé cuál será vuestra experiencia, pero la mía es que cada año que pasa, menos peso es mejor. El problema de cargar con los fantásticos objetivos que las marcas nos venden como imprescindibles para conseguir esta o aquella imagen, es indudablemente que suelen ser los más pesados y los más caros. Sin embargo, otro mundo es posible: probad a salir con una cámara y un sólo objetivo. Es sorprendente lo poco que nos limita la mayor parte de las veces

3.- Un importante ahorro de dinero:

No me gusta entrar en este terreno, porque soy de la opinión de que cada uno es libre de gastar el dinero en aquello que le place. Dicho esto, es verdad que la fotografía, sobre todo la basada en las marcas principales y sus equipos reflex, son un pozo sin fondo a la hora de gastar.

4.- Nos obliga a sacarle todo el partido al equipo que ya tenemos:

Esto es clave: todo el equipo nuevo que compremos no suplirá ni una sola de las carencias que tengamos en los aspectos más básicos para fotografiar: visión, composición, comprensión del color… En realidad estos aspectos deben abordarse sin una cámara en la mano. Hay que hacer muchos deberes primero, para que cuando el equipo llegue a nuestras manos le sepamos sacar todo el partido, no sólo a nivel técnico.
Aprender a sacar todo el partido al equipo que tenemos es una asignatura pendiente en muchas ocasiones (y yo me incluyo entre los primeros). Pero mejorar nuestras ideas y creatividad, viendo muchas fotos y analizándolas, es prioritario.

5.- Menos equipo significa que hay espacio para otra cosas:

Si no llevamos tanto equipo fotográfico, ganamos espacio para otras cosas que lo mismo son interesantes llevar…
En fin unas reflexiones basadas en el sentido común más habitual, que conocemos y valoramos, pero sobre el que en ocasiones es conveniente insistir. Aunque sólo sea para que distingamos necesidad real de necesidad inducida por los efectivos equipos de marketing de las marcas ;-)

Link: photonaturalist

Imposible no enamorarse

Navegando por el flickr encontré este fotógrafo que ya lo venia siguiendo hace un tiempo y recientemente navegue todo su trabajo, sinceramente me sorprendió ver como pulió su mirada y los resultados de las tomas.
Beat Esile, fotógrafo de Zurich, especializado en belleza femenina. Tiene muy claro como captar de cada una de sus modelos el punto exacto en donde su belleza explota. La calides, clima y sensualidad de las misma que te deslumbran imagen tras imagen.
No encontré mucho material biográfico sobre el, pero su web tiene algunas de las mejores tomas que luego en su flickr pueden ver mas explayadamente. Sinceramente considero que es uno de los mejores fotógrafos que vi de belleza hasta ahora.
Les dejo algunas de las fotos que me encantaron.

Flickr
Web

Consejo

"Al final del día, las imagenes de tu portfolio haran que consigas trabajo, no un diploma"

http://www.fashionphotographyblog.com/

La importancia de la luz en la fotografía

Etimológicamente, la palabra Fotografía viene a significar escribir con luz. Podría pasarme el resto del artículo repitiendo una y otra vez hasta cansarme que la luz lo es todo en la fotografía y con total seguridad no sería suficiente. Hubo una vez en el que yo creí innecesario para un aficionado el flash externo. Era un novato y aun no había abierto los ojos suficientemente.


Al principio piensas que con la cámara y el objetivo es suficiente, que en exteriores siempre hay luz suficiente para disparar y que en interiores apenas vas a fotografiar, que en todo caso con el flash de la cámara te apañas. Con el paso de las fotografías vas siendo consciente de que el ojo humano es una máquina perfecta y donde él ve con claridad nuestra cámara dice que no hay suficiente luz, de que te apetece hacer una fotografía en interior y que la luz es insuficiente. En definitiva vas siendo consciente de que necesitas esa iluminación externa si quieres mejorar tu técnica.
Alguna vez habéis tenido un cielo espectacular el cual habéis querido usar como fondo para un retrato. Si mides la luz del cielo para exponerlo bien es más que probable que tu sujeto quede mal expuesto y viceversa. En estos casos el flash de la cámara puede ayudarnos a iluminar nuestro sujeto para que podamos centrarnos en el cielo y tener un retrato de categoría. Pero estás muy limitado por la potencia y nula movilidad de éste, hay veces en el que hay que sacar el flash fuera de la cámara. Es el caso de este vídeo de Lars Franzen donde podemos ver el resultado de aplicar convenientemente la iluminación de dos flashes externos remotamente al más puro estilo strobist. Evidentemente usa un buen equipo y un adecuado procesado de las fotografías pero sin duda la clave, aquí, es la iluminación.
Las sesiones con iluminación compleja requieren de una preparación previa, una buena idea sería recurrir a aplicaciones dedicadas a crear esquemas de iluminacion. En resumen, tenemos que quedarnos con la idea de que la iluminación lo es todo en la fotografía, que dominarla o al menos intentarlo debe ser uno de los fines de cualquier persona que quiera progresar en este mundo y para ello no hay que escatimar en esfuerzos. Hay que adquirir flashes, por lo menos uno externo de potencia y calidad que haga de fuente principal, luego podemos complementarlo con alguno menor de relleno, pero como digo, todos deberíamos tener al menos un buen flash. Ese es mi consejo.



Y les dejo algunos otros videos muy interesantes sobre iluminación. Si tienen tiempo mirenlos a todos.


episode 25, outdoor portraits #1 from Jim Talkington on Vimeo.












Fuente: http://altfoto.com/

September Issue

El post de hoy no es específicamente de fotografía, en este caso les recomiendo un documental para todos aquellos interesados en la moda ya sea desde la fotografía o afines. September Issue, un documental basado en la directora de la famosa revista Vogue durante la preparación del número de septiembre, realmente es sorprendente ver ese mundo vano y frió para mucha gente pero que tiene una pasion inmersa increíble, esto lo demuestra Anna Wintou.
Los procesos, directivas y relaciones que se realizan alrededor de este gran número que prometió batir records y así lo hizo.
No tiene mucho sentido que se las cuente así que les dejo el trailer, una forma de entender un mundo que muchos entran pero pocos se quedan.

Fototerapia, tratamientos alternativos

¿Deseas mejorar tu estado de ánimo? La fotografía puede ayudarte.

En estos tiempos un tanto difíciles, los profesionales de la salud mental han ido implementando diferentes métodos para tratar a sus pacientes eficazmente, y la fotografía es uno de ellos. Incluso muchas personas con problemas emocionales se han decantado por esta disciplina a título personal, y de hecho no son pocos los fotógrafos profesionales que afirman con toda seguridad que la fotografía ayuda a sanar el alma. Es por ello que a continuación explicaremos algunas pautas interesantes acerca de la “fototerapia”.

Básicamente, esta disciplina se basa en la utilización de fotografías personales y álbumes familiares como catalizadores visuales para evocar recuerdos relevantes, sentimientos, e información contenida en las imágenes, quizá hasta de forma inconsciente.
Para ello, la fototerapia incluye cuatro técnicas básicas: las fotografías del paciente tomadas por otras personas - tanto posadas como espontáneas -, las fotografías tomadas por el paciente, las que se toman a sí mismos, las familiares y autobiográficas; y por último la foto-proyectiva, que consiste en explicar las fotografías sobre la base de que su significado es, al menos en parte, creado por el observador durante el proceso de percibirlas.
Por el momento, nos centraremos en algunos aspectos de la técnica de fotografías tomadas por el paciente. Esta se basa en la premisa de que toda fotografía contiene información sobre la persona que la tomó, ya que su contenido visual muestra lo que fue importante para el ojo del fotógrafo al momento de pulsar el obturador. Además, aún cuando no aparezcan en forma visible, datos como el lugar, el momento, y el por qué de la fotografía dicen mucho de su creador.

Fototerapia: En busca de una vida mejor.

Por otro lado, también es común que se den consignas acerca de qué fotografiar, como ser: lugares y personas de interés, lo que más le gusta hacer, su hogar, familia, mascotas y amigos, un día típico en su vida; o que hasta se toquen temáticas más profundas, como lo que querrían cambiar en el mundo, lo que los hace felices, lo que los entristece o los enoja, las cosas que no pueden decir con palabras, y demás.
La técnica de las fotografías tomadas por el paciente además da atención a las fotos que este guarda - aún cuando otro las haya tomado -, ya que estas también pueden brindar información terapéutica acerca de las cosas que conmueven o importan a la persona, siendo en muchos casos un reflejo tangible de sus pensamientos, sentimientos y recuerdos.

Anna, paciente de la doctora Ellen Fisher Turk

Este tipo de fotografías les permiten observar las diferentes maneras en que otros los ven, y en muchos casos les aporta una imagen de ellos mismos que difiere de la que les devuelve el espejo. Teniendo esto en cuenta, las fotografías son tomadas en forma espontánea sin que el sujeto lo note. De lo contrario, puede cambiar su actitud o comportamiento en respuesta al “ojo” de la cámara.
Por otro lado, el hecho de ser fotografiado a sabiendas brinda al paciente una oportunidad de interacción social basada en ser el centro de la atención - lo cual en muchos casos puede ser evitado por ellos en su vida diaria. Es por ello que este método también suele ser incluido en la terapia, y por lo general sus resultados se contrastan con los obtenidos en el método anterior, brindando interesantes contrastes que pueden luego ser estudiados.

Fotografiar al paciente, una técnica de fototerapia.

Quien parece llevar la voz cantante en la aplicación de esta técnica es la doctora Ellen Fisher Turk, quien trabaja desde hace años con mujeres que tienen dificultades para aceptar su cuerpo - ya sea por trastornos alimenticios, abusos sufridos, o intervenciones quirúrgicas que hayan afectado su aspecto. La doctora suele fotografiar a sus pacientes en blanco y negro, algo que da a sus trabajos una estética muy particular.
Sus sesiones comienzan con la mujer delante de la cámara, normalmente vestida. Luego, esta puede irse desprendiendo de sus ropas al ritmo que desee y al punto que lo decida. Por lo general basta con una o dos sesiones. Por otro lado, las mujeres ponen por escrito sus impresiones acerca de cómo se han sentido cuando eran fotografiadas y luego, al verse en la fotografías.
Si bien la doctora destaca que el momento de verse es como un golpe que a veces es difícil de digerir, los resultados luego suelen ser positivos: cambian su manera de verse. Por ejemplo, quienes sufren desórdenes asociados con la anorexia por lo general toman conciencia de su estado, y se facilita mucho el trabajo de hacer que vuelvan a ingerir alimentos normalmente.
Sin lugar a dudas, la fotografía como terapia es un tópico extenso y mucho ha quedado fuera de estas breves explicaciones.

Referencias
http://www.fotomundo.com/nota.php?id=111

Sven Prim - Su realidad fantastica.

Sven Prim consiguió su primer trabajo publicitario mientras aun estaba en la escuela de fotografía. Directamente después de la graduación consiguió un trato con el Agente Molly Co, se mudó a Estocolmo y comenzó a trabajar como fotógrafo de jornada completa. Desde entonces, él ha colaborado con una lista larga de clientes renombrados como ATG, Aftonbladet, RFSU y el Polar Music Prize.

 Sven se describe como un verdadero loco de la tecnología que gusta crear situaciones extrañas y surrealistas. Algo claramente visible en su creación. El es igualmente experto tanto como fotógrafo asi como retocador y descubrió temprano la oportunidad fantástica que fija la producción puede presentar para crear una dimensión suplementaria en imágenes. Muchas personas piensan que la verdad de una fotografía es comprometida, pero Sven no está de acuerdo en absoluto. El concepto de verdad es completamente subjetivo. Creo que un cuadro siempre es manipulado, independientemente de como es tomado. Cuando el fotógrafo selecciona el tiempo y el lugar para romper un cuadro, la verdad ya está siendo doblada. Soy muy sincero sobre como mis cuadros son creados.

http://svenprim.com/

A días de la 4º Bienal de Fotodocumenatalismo en Tucumán

Como ya les había contado en un POST anterior, la 4º Bienal de Fotodocumenatalismo en Tucumán esta muy cerca. Muchas propuestas fotográficas, talleres y conferencias, si tienen la posibilidad de ir a algunas no se lo pierdan.

 

Para mas información visiten la web, http://www.fotobienal.com.ar

Harold Eugene Edgerton "El Hombre que hizo que el tiempo se detuviera"

Fue un fotógrafo e ingeniero eléctrico estadounidense.
Era estudiante del Instituto Tecnológico de Massachusetts cuando en 1926 había ya desarrollado un tubo de flash que podía producir destellos de elevada intensidad lumínica en tan sólo 1/1,000,000 de segundos. Este invento sigue siendo utilizado en los dispositivos fotográficos de hoy en día y ya que puede también emitir ráfagas de luz repetidamente en breves intervalos regulares, es ideal para usarse como estroboscopio.
Con esta tecnología Edgerton fue capaz de fotografiar cosas como gotas de leche cayendo dentro de un plato y balas que se desplazaban a velocidades de hasta 24,000 kilómetros por hora; resultando en imágenes apreciables por su belleza artística y su valor para la industria y la ciencia.

El estroboscopio es un instrumento inventado por el matemático e inventor austríaco Simon von Stampfer hacia 1829, que permite visualizar un objeto que está girando como si estuviera inmóvil o girando muy lentamente. Este principio es usado para el estudio de objetos en rotación o vibración, como las partes de máquinas y las cuerdas vibratorias. Fue desarrollado en la misma época en la que el físico belga Joseph Plateau daba a conocer su fenaquistiscopio.
Permite encender y apagar luces, en un lapso dado, la cantidad de veces que uno desee. Este dispositivo es muy utilizado en clubes nocturnos y en la producción de películas para dar la sensación de movimientos rápidos.

El hombre detras de las imagenes Absolut Vodka

Bronstein ha proporcionado soluciones visuales a sus clientes en una manera tanto creíble como práctico. Si es  nieve en el camino  para Volkswagen, una playa  tropical para Coca Cola, o una vista aérea del Kentucky, el Derby para Absolut, Steve ha sido capaz de producir estas imágenes con eficacia en el estudio sin la necesidad, el riesgo y el costo. Él a menudo ha pensado como un fotógrafo de efecto especial, aunque él prefiera las camaras de grandes formatos

Steve Bronstein es un director artístico de Nueva York. Sus fotografías están repletas de concepto y de creatividad. Cuando aún era un desconocido, fue el único fotógrafo capaz de ver la botella de Absolut como un objeto cuyo atractivo radicaba en su transparencia, cuando otros la mostraban sin gracia ni belleza.

Desde entonces su carrera se disparó. A parte de Absolut, Bronstein trabaja para marcas como Colgate, Nintendo o KitKat; y comparte web y trabajo con Howard Berman, en el estudio fotográfico B-Hive.

 Aunque confiado sobre las técnicas tradicionales de propmaking y la fotografía de formato grande, Steve igualmente ha abrazado la edad digital. Él combina lo mejor de ambos mundos, si esto implica un juego en miniatura, cgi, o ambos.

http://www.bhivepro.com/

¿A cuanto equivalen los megapixeles?

Antes que nada, para comprender por que llegan a estas medidas y resoluciones paso a definir desde la base de que es un PIXEL:

Un píxel o pixel, plural píxeles (acrónimo del inglés picture element, "elemento de imagen") es la menor unidad homogénea en color que forma parte de una imagen digital, ya sea esta una fotografía, un fotograma de vídeo o un gráfico.
Ampliando lo suficiente una imagen digital (zoom), por ejemplo en la pantalla de una  PC, pueden observarse los píxeles que componen la imagen. Los píxeles aparecen como pequeños cuadrados o rectángulos en color, en blanco o en negro, o en matices de gris. Las imágenes se forman como una matriz rectangular de píxeles, donde cada píxel forma un área relativamente pequeña respecto a la imagen total.

La mayor parte de los dispositivos que se usan con un ordenador (monitor, escáner,...) usan el modelo RGB.
Un píxel alcanza los 8 bits (2⁸ colores), 24 bits (2²⁴ colores) o 48 bits (2⁴⁰ colores), este último valor de precisión sólo se obtiene con escáners o cámaras de gama alta (que usen formato raw o tiff, no en jpg).

Un megapíxel o megapixel (Mpx) equivale a 1 millón de píxeles (a diferencia de otras medidas usadas en la computación en donde se suele utilizar la base de 1024, en lugar de 1000, para los prefijos debido a su conveniencia con el uso del sistema binario. Usualmente se utiliza esta unidad para expresar la resolución de imagen de cámaras digitales; por ejemplo, una cámara que puede tomar fotografías con una resolución de 2048 × 1536 píxeles se dice que tiene 3,1 megapíxeles (2048 × 1536 = 3.145.728).
La cantidad de megapíxeles que tenga una cámara digital define el tamaño de las fotografías que puede tomar y el tamaño de las impresiones que se pueden realizar, pero hay que tener en cuenta que cada megapíxel está siendo distribuido en un área y, por tanto, la diferencia entre 7 y 8 megapíxeles es menos representativa que entre 3 y 4, ya que no es una medida exponencial, al igual que las “x” de una grabadora de discos compactos.
Las cámaras digitales usan una electrónica fotosensible, como CCDs (del inglés Charge-Coupled Device) o sensores CMOS, que graban niveles de brillo en una base por-píxel. En la mayoría de las cámaras digitales, el CCD está cubierto con un filtro coloreado, teniendo regiones color rojo, verde y azul (RGB) organizadas en mosaico según el filtro de Bayer, así que cada píxel-sensor puede grabar el brillo de un solo color primario. La cámara interpola la información de color de los píxeles vecinos, mediante un proceso llamado "de-mosaicing", para crear la imagen final.

En unos tiempos en los que las cámaras de un día para otro les crecen megapíxeles hasta en las orejas y que semanas después de comprar “la supercámara”, esta se convierte en una cámara normalilla, no esta de más saber que quieren decir esos megapíxeles que tanto nos están vendiendo a la hora de buscar una cámara y que en muchas ocasiones deberían tener menos importancia a la hora de escogerla.
El tamaño de impresión esta obtenido a una resolución de  200 dpi, lo que se considera una resolución más que suficiente para una impresión fotográfica, pero claro está, para la reproducción en off-set tendremos que restarle algo al tamaño, ya que la resolución para imprenta normalmente es de 300 dpi.
Por otro lado, no me gustaría desaprovechar la ocasión para recomendar a todo aquel que tenga que comprar una cámara fotográfica, que no base su compra tan solo en los megapíxeles, y que se fije muy mucho en el objetivo que lleva la máquina, el zoom óptico (no el digital) en el caso de una compacta y otras opciones como la posibilidad de utilizar los controles en manual, el macro de la máquina, etc.


Fuentes: ateneupopular.com  - wikipedia.org

Midiendo la Potencia a través del Número Guía (Parte2)

¿Qué Es Exactamente el Número Guía?

 El Número Guía (NG) es, sencillamente, una unidad que nos proporciona información sobre la potencia de un flash. A mayor Número Guía, mayor potencia proporciona un flash, y por lo tanto, mayor alcance. Por ejemplo, hay flashes con Número Guía 26, 36, 40...

Sí, muy bonito, ¿y eso para qué te sirve? Por supuesto, para lo primero que sirve es para saber, de entre varios flashes, cuál es el que más potencia tiene y, por tanto, aquel que te permitirá utilizarlo con buenos resultados a mayores distancias.

Además de esta idea de mayor o menor potencia, también te será de gran ayuda, como veremos más adelante, saber cómo se obtiene este Número Guía. La forma de obtenerlo es la siguiente:

NG = Distancia sensor-objeto x Apertura de Diafragma 

Esto quiere decir que un flash que es capaz de iluminar correctamente un objeto situado a 2m con una apertura de diafragma f/11, cuenta con un NG 22 (2 x 11).

¿Y Qué Hay de la Relación entre Número Guía y Sensibilidad ISO?

A la anterior fórmula le falta un detalle, ¿verdad?

Claro, si yo incremento la sensibilidad ISO de mi sensor, podré ampliar la distancia a la que se encuentre el objeto y, por consiguiente, el NG del flash, ya que para lograr una toma correctamente expuesta necesitaré menos luz.

Pues efectivamente, como suponías, a la anterior fórmula le falta la presencia de una referencia a la sensibilidad ISO. Pero no es que se me haya olvidado, sino que es habitual hablar de NG para ISO 100. De este modo, si se habla de Número Guía "a secas", se entiende que es el Número Guía para una sensibilidad ISO 100.

Para saber el NG con otra sensibilidad, basta aplicar una fórmula muy sencilla: Por cada 2 pasos que subes la sensibilidad ISO, has de duplicar el NG. Así, un flash que tiene NG 26 a ISO 100, tendrá NG 52 a ISO 400.

La fórmula exacta es: Por cada paso que subes la sensibilidad ISO, has de multiplicar por "Raíz Cuadrada de 2" el NG. De este modo:

NG n/1.4 a ISO 50 => NG n a ISO 100 => NG 1.4n a ISO 200 => NG 2n a ISO 400 => NG 2.8n a ISO 800

A estos valores que modifican el NG base (el obtenido para ISO 100), se les denomina Factores de Sensibilidad. De este modo, la fórmula del cálculo del NG queda del siguiente modo: 

NG (ISO 100) x Factor Sensibilidad = Distancia x Apertura 

Es decir, si disparas a ISO 100, no se ve alterada la fórmula vista anteriormente, pero si lo haces con otra ISO, deberás considerar que el Número Guía no será el mismo que para ISO 100, sino que estará afectado por el Factor de Sensibilidad.

¿El Número Guía y los Fabricantes?

Para poder medir el NG de un flash la forma más adecuada sería situar un fotómetro con la posibilidad de medir la intensidad de un flash a una distancia d1, disparar el flash en dirección al fotómetro y, éste, al devolvernos la apertura f1 con la que se debe disparar para obtener una toma correctamente expuesta, nos devolvería el NG (NG = d1 x f1).

Sin embargo, lamentablemente no todos tenemos un fotómetro en casa, yo al menos no. Así que nos tenemos que fiar de los datos que nos proporcionan los fabricantes. Te pondré mi caso, yo me compré hace relativamente poco un Nikon SB-600 y ésta es la información literal que me ofrece el fabricante:

"El SB-600 es un flash... con un número guía de 30/98 (100 ISO, m)...  (con el zoom ajustado a 35mm, 20ºC)"

Esto lo que viene a decir es que la potencia del flash en las mejores circunstancias, ya ves, incluso hablan de la tempeartura y del ajuste del zoom, puesto que en mi caso la antorcha tiene varias posiciones de zoom, es NG 30 (el 98 es si mides la distancia en pies).

Esto, en la mayoría de los fabricantes, viene a traducirse en que la potencia real final es algo menor que la que te indican. Ya que será muy difícil encontrarse en las condiciones óptimas con las que ellos obtuvieron ese número guía.

Pero, por supuesto, esa merma dependerá del fabricante y modelo y será algo que te toque ir evaluando y afinando a medida que comiences a utilizar tu flash.

La Posición Zoom de la Antorcha: También Influye en el NG

En la anterior mención que he hecho a las instrucciones que venían con mi SB-600 has visto cómo hablaba sobre el zoom del flash, ¿verdad? Concretamente se indicaba que el NG era 30 a ISO 100, para una posición del zoom ajustada a 35 mm.

Cada vez son más numerosos los flashes que permiten modificar el ángulo de iluminación del flash, es lo que se conoce como cabezal o antorcha con zoom. De este modo, el ángulo de iluminación se asemeja al ángulo de visión empleado por el objetivo.

Esto permite, entre otras ventajas, ahorrar energía, reducir el viñeteo y, en posiciones "tele" mejorar el Número Guía del flash.

La sincronización de la posición de zoom del objetivo de la cámara y del flash puede ser manual o automática, de manera que al variar la focal del objetivo, el flash sea capaz de modificar el valor de zoom automáticamente o no.

Una vez explicado el concepto, parece claro, como hemos citado entre las ventajas del zoom, que este valor influirá en la obtención de un mayor Número Guía y así es.

Siguiendo con el ejemplo de mi SB-600, la variación del NG en función de la posición de zoom es la siguiente:

14mm => NG 14; 24mm => NG 26; 28mm => NG 28; 35mm => NG 30; 50mm => NG 36; 70 mm => NG 38

Como es lógico, a medida que ampliamos el valor del zoom, logramos un incremento del Número Guía. En realidad, lo que estamos haciendo es reducir el ángulo del destello, con lo que concentramos más éste y así la intensidad que recibe un objeto se incrementa.

Examen: ¿Qué Cálculos Tengo que Realizar a partir del NG?

Al final, toda esta información sobre el NG vale para que, a partir del NG de tu flash, sepas los cálculos que tienes que hacer para saber la apertura a utilizar en una toma o la distancia máxima a la que podrás situarte del objeto que pretendes fotografiar.

Como si de los tiempos del colegio se tratase, voy a poner un par de problemas de examen (tranquilo, que te doy las soluciones) en los que se ponen de manifiesto estos cálculos.

Problema 1. Sabiendo que el Número Guía de su flash (para la posición de zoom seleccionada y a ISO 100) es 30 y que pretende realizar una fotografía a un objeto que se encuentra a 6 metros, ¿qué apertura deberá seleccionar para obtener una fotografía correctamente expuesta?

Apertura = NG (ISO 100) x Factor Sensibilidad / Distancia = 30 x 1 / 6 = 5 => Apertura = f/5

Problema 2. El Número Guía de su flash para ISO 100 es 22 (para la posición de zoom seleccionada), Ud. quiere ampliar al máximo la profundidad de campo y piensa utilizar una apertura f/11. Por otro lado, quiere tomar la fotografía a ISO 400, porque piensa que su flash no le proporciona la suficiente potencia. ¿A qué distancia deberá situarse del objeto fotografiado para que salga correctamente iluminado?

Distancia = NG (ISO 100) x Factor Sensibilidad / Apertura =  22 x 2 / 11 = 4 => Distancia = 4m 

Fuente: http://www.dzoom.org.es

1º Seminario de Produccion de moda en Tucumán

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1º Seminario Intensivo de Producción de Moda en Tucumán
4 al 7 de Octubre de 2010 - San Miguel de Tucumán

Dictado por Adrian Fagetti (Bs.As)

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Destinado especialmente a:

Diseñadores de moda, Diseñadores gráficos, Fotográfos, Productores artísticos, Directores creativos, Publicistas, Estilistas, Vestuaristas, Diseñadores de objetos y toda aquella persona interesada en aspectos relativos a la moda y a la producción publicitaria y de comunicación gráfica.

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¿Que es Producción de Moda?

La Producción de Moda implica en si el diseño de la estética de una producción fotográfica o situación de moda específica, la selección de la ropa y los complementos y el armado y organización de los cambios, la elección del estilo o look general así como del armado del arte o escenografía, la toma de decisiones sobre la estilística de peinados y maquillajes adecuados para la situación. También la búsqueda de una locación apropiada y la elección de la modelo.

También incluye el desarrollo previo de la idea y del concepto sobre el cual se trabajará en la producción de fotos. El trabajo del Productor de Moda también implica organización, logística, manejo de presupuestos y resolución de situaciones problemáticas.

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Adrián Fagetti es Licenciado en Publicidad de la UADE especialista en producción de moda y producción publicitaria. Trabaja asiduamente para diversas publicaciones nacionales como Catalogue, D, 90+10, Entrecasa, Para Tí, 20/20, Mujer Country, Go Palermo, Playboy y Romeo e internacionales como BG (Ecuador), Glass (Brasil), Altura y Escala (México) así también como con las publicaciones on-line SQM y Reflex Mag.

En el área de producción y coreografía en desfiles trabajó en varias ediciones del BAF y Buenos Aires Fashion Week para las marcas como Lacoste, María Cher, AY not Dead, Ayres, Vero Ivaldi, Mariano Toledo, Pablo Ramirez, Tramando, etc.

Fue 1º Asistente de Dirección y Coordinador de Backstage en la primera Edición del Luxury Week para el Grupo Clarín.

Es docente titular de Producción de Moda I y II en la Universidad de Palermo

www.adrianfagetti.com

http://www.producciondemoda.blogspot.com/

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Contenido del Seminario

Armado de una producción
Sus partes, componentes, requerimientos y secretos. Preproducción, producción y posproducción.

Concepto e idea
Creación, desarrollo y presentación de una idea.

Referentes visuales
Como encontrarlos y convertirlos en moda.

La profesión
¿Que es ser Productor de moda? ¿Que es ser Estilista? Tareas, obligaciones, conductas y trato profesional.

Medios editoriales nacionales e internacionales:
Análisis de los mismos: estilo e imagen, público y target, tipo de producciones que realizan.

Producción de book y test
Diferencias y necesidades de cada uno. Armado básico y giro editorial.

Armado de editorial
Línea a seguir según el medio, edición, términos de entrega, armado de créditos y detalle de cambios.

Producción y estilismo para Campañas y Catálogos
Trato con el cliente, presentación de ideas y propuestas, análisis y edición de colección, asesoría, armado de conjuntos, día de toma, posproducción.

Armado de presupuesto
Costos, precios, formas de pago.

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El Seminario en Tucumán

Se dictará en cuatro jornadas intensivas teoríco prácticas con un trabajo final consistente en el diseño y puesta en acción de una producción fotográfica real en el estudio-taller

A:BRA.

Los cupos son limitados y la inscripción cierra el día 24 de septiembre de 2010

Por mayores informes dirigirse personalmente a los teléfonos y direcciones de mail al pie de esta línea.

Lic. Gerardo Riarte
Móvil: (0381) 155-986437
gerardo@abracreativa.com.ar

Prod. María Mines
Móvil: (0381) 155-060165

maria@abracreativa.com.ar

A:BRA
Creatividad Aplicada

Tel. 0381 422-5573
www.abracreativa.com.ar
San MIguel de Tucumán